音乐教育毕业论文开题报告怎么写啊
回答 毕业论文的开题报告由八个部分组成：（一）论文名称（二） 论文研究的目的、意义（三）本论文国内外研究的历史和现状（文献综述）（四）论文研究的指导思想（五） 论文写作的目标（六）论文的基本内容（七）论文写作的方法（八）论文写作的步骤
论文开题报告基本要素标题开题摘要目录介绍文献综述研究问题与假设方法论工作安排预期结果和结果的意义暂定论文章节大纲参考文献列表各部分撰写内容标题论文标题应该简洁，且能让读者对论文所研究的主题一目了然。 开题摘要摘要是对论文提纲的总结，通常不超过1或2页，摘要包含以下内容：问题陈述研究的基本原理假设建议使用的方法预期的结果研究的意义目录目录应该列出所有带有页码的标题和副标题， 副标题应缩进。 介绍这部分应该从宏观的角度来解释研究背景，缩小研究问题的范围，适当列出相关的参考文献。 文献综述这一部分不只是你已经阅读过的相关文献的总结摘要，而是必须对其进行批判性评论，并能够将这些文献与你提出的研究联系起来。 研究问题与假设这部分应该告诉读者你想在研究中发现什么。在这部分明确地陈述你的研究问题和假设。在大多数情况下，主要研究问题应该足够广泛，而次要研究问题和假设则更具体，每个问题都应该侧重于研究的某个方面。
中国教育论文大系上百篇论文任你选全免费
创作的主体是人，人分男女，考察戏曲创作问题也就不可不把主体性别问题纳入视野。从性别视角看，中国戏曲多写女性，是以擅长写女角著称的艺术。在西方，有持见激烈的女权/女性主义批评家单单以作家生理性别（sex）而不是社会性别（gender）判断其作品是否应当划归女性文学，其实难免偏颇。因为，从社会学而不仅仅是生理学角度看，女作家可以写女性而男作家也可以写女性，女作家可能按女权视角也可能按男权视角创作，男作家同样可能具有这种二重性。明白这点，对于我们正确认识东方戏曲文学史上的性别与创作问题，有重要意义。 较之诗文创作，中国戏曲作家在群体性别阵营上的女性弱势很明显，尤其是在古代。从外部看，历史上的诗文女作家不在少数，但戏曲女作家寥若晨星；从内部看，女角戏向来为戏曲艺术所重，写戏并写得成就赫然的女作家在梨园中却属凤毛麟角。究其原因，盖在“菲勒斯中心”传统制约下的社会里，女性受教育的权利犹如她们自身一样通常是处于被剥夺、被遗忘状态，读书写作向来都被认同为男儿们的专利（对男子来说，“立言”有如“立功”、“立德”，同是他的立身处世之本），对此西方女权主义批评家多有言及。大势若此，即使象中国古典戏曲这滋生于乡村市井俗文化土壤且跟边缘化境遇中的女性多有瓜葛的产物，也概莫例外。别的不说，仅以后人整理出版的《中国十大古典喜剧集》、《中国十大古典悲剧集》和《中国十大古典悲喜剧集》为例，整整30部古今流传的名剧竟无一直接归属女性名下，就分明指证着一个别无选择的性别文化事实。在古代戏曲史上，女作家尽管不能说没有，却屈指可数，散兵游勇，影响甚微，实在难成什么大气候，加之“边缘人”的角色身份自出生起就被社会所牢牢铸定，其人其作其成就亦大多
音乐教育论文开题报告怎么写啊
你什么时候要呢 我能帮你 已经站内发消息你了 记得查看
音乐教育是目前素质教育很重要的一部分如何上好音乐课呢 我调查了当前初中音乐课的现状，并进行了思考与探索，有如下实践:指导学生认真的理解，深情地歌唱，潜心的欣赏，兴致淋漓的弹奏，进而进行迷人的创作，以此培养学生的音乐素养使他们有一对审美的耳朵，高尚的情操 [关键词]音乐教育，音乐调查，思考，探索，音乐兴趣，审美 [引言]音乐作为人类社会的文化现象，它是一种以多种学科为基础和背景的学科体系它所体现出来的文化，是一种充满活力，开放的，流动的，动态的学科它以不断的变化去适应或影响人们思想的表达和情感的愿望，并且对人们观念的形成产生重要的作用 [正文]在现在这个人才竞争激烈，世界瞬息万变的社会中，人的总体素质被重视起来，而音乐则是其中非常重要的一部分，因此，音乐教育已经引起普遍的关注作为一名中学音乐教师所肩负的责任也是非常重大的但现在却有一种流行的说法:"学生喜欢音乐却不喜欢上音乐课"为什么会有这样的现象呢 这就要从两个方面去分析了 一，学生方面: 中学生的心理发展正处在一个特殊的阶段，其心理特征不同于儿童，也有别于成人，正是"半大人"时期中学阶段是他们生长的高峰期之一，随着生理上的巨大变化，心理发展也必然经历由量到质的变化过程原苏联的彼得罗夫斯基在论述中学生的心理特点时曾指出:中学生正处于少年末期，在他们身上同时存在"孩子气"和"成人气"的特性，既要求自尊，自治，在生活中表现出相当强的独立性，同时又对父母有一定的依赖性他们的音乐认知处于从幼稚向成熟的发展之中相比小学生而言，中学生的认知机能有了长足进步;而与成人相比，他们常常表现出表面性和片面性进入中学，结识了新的老师，同学，增加了许多新的学科，接触音乐的内容也更广泛了但是，由于学生的年龄和知识水平毕竟有限，故他们对音乐的认识还是比较肤浅的，常常受到社会的影响，简单的认为流行就是美，在通俗歌曲和摇滚乐的潮流迅速而猛烈的冲击下，很多学生对此十分喜欢，甚至要求在音乐课上也欣赏这一类内容，我就遇到了多次，从而反映了他们对音乐了解和认识的片面性 另外，中学生普遍喜欢唱歌，但初中阶段正进入变声期，许多学生的歌声不如童声了，特别是男生很明显，当他们听到别人悦耳的歌声时，不免产生焦虑，自卑的情绪在课上他们就不大愿意唱，或宁愿大家一起唱，以免显露自己的"不足"而且，随着中学学科的增加和分化，对于音乐来说，中学阶段既是建立音乐兴趣的时期，也可能是转移的时期他们已经能把探索的视线对着自己了一举一动会产生什么样的后果，别人怎么看自己，评价自己，都会是他们所关注的虽然也有一些人会大胆的当众表现自己，但大部分中学生还是显现一定的"闭锁性"，他们小学时对老师提的问题，总是能积极举手，毫无顾虑，中学则是在自己没有把握时决不举手，原因就是怕答错了，有损"形象"比如:我给初二的学生讲五线谱知识，讲解过后考考他们，要到黑板上画高音谱号和低音谱号，如果我说:"谁行的话就请自己举手上台来"那学生是绝对不会上前来的，哪怕我说:"画错了也没关系"，"画对了有加分"等等之类的话也都是无效的，学生表现的是:不爱动或不屑做其实这些举动的背后，是他们的羞怯心理在"作怪"，并且有一定的普遍性 二，教师方面: 首先，一些受了传统教育观念影响的教师们孤立地把"双基"作为主导或唯一的目标，而忽略了学生的兴趣，情感和自我表现能力在每周只有一节的课中，学生乘兴而来，却遇到枯燥的乐理，老套的教学模式，并没有带给学生音乐真正的美感，他们就往往以被动接受和心不在焉的方式进行逃避其次，有些音乐教师一直是孤军奋战，由于缺少相互学习和交流，久而久之成了自我封闭的教学模式，也有的因为曾经在教学上取得过一点成绩而在原地沾沾自喜，这些都与音乐教育的发展不合拍的有句话说得好:学生永远是新的如果我们教师停步不前，必会遭到历史的淘汰第三，教学内容和形式方面都趋于单调，许多学校都只*"老师的说和唱"，"粉笔"，"琴"，"录音机"等，课上除了唱歌就是听歌了还有些老师懒得设计课例，自制教具和使用已有的先进课件，就只用单调模式进行教学或者，有的老师喜欢主宰一切，学生只能洗耳恭听，气氛严肃枯燥第四，有些老师在学生面前要摆"先生架子"这样的话，就和学生有了隔阂和距离 那么，如何改变这一现状，吸引中学生上好音乐课呢 前提:我爱学生，从心底里喜欢他们!我把学生看成一个有待开启的宝库，虽然，他们有时会惹你生气，但我总是努力的去发现他们的闪光点同时，音乐是一门艺术课，我们老师也要像艺术家一样善于"进入角色"，针对学生这位"对象"，本着始终为教学服务的宗旨，老师要会演，既是演员，又是导演在《中学音乐教学大纲》的指导下，我在教学实践中是这样做的: 1，认真的理解: 中学基本乐理教学的任务是:在感受音乐的基础上，使他们认识、理解、掌握、运用知识、提高学生的独立视唱能力及感受、理解、表现。创造音乐的能力!但实践中，这方面的内容又是比较枯燥和不容易理解的所以，要采取一些特殊的导入，来增加他们学习的积极性例如:我在教"乐句"这一知识点时，先在黑板上出示一些简短的，拍子多样的，尾音上扬的旋律，如图: 1=C 3/4 (上句):∣5 - 65∣3 - 36∣5 5 ì6∣5 - -∣ (下句): (其他略) 他们会创编出很多好的下句，然后我就启发"这样是不是很象古代诗人在对诗啊 "通过创编，让学生自己归纳出乐句的概念和要求同时，我要求他们将好的旋律哼唱出来，也可以自己加上一些变化把小作品展示给大家，学生的积极性很高 又如:在视唱练耳方面，我采取了"比一比，赛一赛"的模式，让学生为自己小组争高分把视唱，听音，听辩和听记等教学内容编成游戏，比赛和抢答题他们争先恐后的样子可认真了 2，深情地歌唱: 中学的歌唱教学活动，是引导学生用歌声正确地表达歌曲思想内容和情感的针对不同情感的歌曲，老师要设计适当的导入比如，在教学生学唱《大海啊，故乡》(初中第二册音乐课本)时，我先请学生谈谈我们的家乡湖州他们就七嘴八舌地说开了，有说湖州地理和物产的;有说湖州名胜的;有说湖州名人的;有说赞美湖州的歌曲的;以及有说和湖州相关的诗词的等等„„我最后总结:"由此可以看出你们对家乡的了解和热爱，今天有一个人也很爱自己的故乡，但他是用歌声来表达的，我们带着几个问题来听听看"(问题:歌中的"我"故乡在哪里 这个"我"现在在故乡吗 他是怎么表达对故乡的爱的 )从而，让学生在理解了歌所要表达的情感后，让他们带着自己对故乡的热爱和歌曲的情感融合在一起来学唱，在唱的过程中他们能把情感处理得很好强弱都用得恰到好处最后，他们学会了，我拿出一首诗句"湖山信是东南美，一望弥千里"!让学生为这诗句来创编旋律，写好的同学既可以自己哼唱，也可以请一位"歌手"唱出来，优秀作品可以贴在作品栏里，从而激发了他们的创作欲望又如:我在教《河边对口曲》(初中音乐第三册课本)时，采用多媒体课件，放了一段战争小片段，让他们看后说说战争时期老百姓的生活学生能把自己从书上学到的知识和观看影片获得的资料描述出来然后，我将歌词设计成剧本的模式出示给他们看，给他们几分钟准备让学生来做演员，表演这一片段他们会很想试试的，并且要表演成功就一定会把歌曲情感全理解然后，我再象"导演"一样，给他们指导，最后把旋律加进来，说唱出来课堂气氛非常踊跃，取得了很好的效果在不知不觉中，学生既学会了革命歌曲，也使他们感受到这类作品同样很有魅力，并有很深刻的意义，不像一些流行歌曲，都是"情"和"爱" 3，潜心地欣赏: 音乐欣赏课的重点是从"听"中去感受作品，但如果提高和加强音乐课堂的意境设计，那会使每一堂课精彩，有趣，生动，活泼，同时，对陶冶情操，提高他们的欣赏能力，培养兴趣起到很大的作用但学生目前比较喜欢的是流行音乐，我要怎么让他们去听戏曲一类的作品呢 如:欣赏越剧《祥林嫂》(初中第四册课本)时，我以给学生讲一个故事的形式导入，将主人公凄惨的命运有感情的讲述，把学生的情感调动起来也以角色的表演带动来听祥林嫂唱《听他一番辛酸话》又例如:欣赏木管五重奏《窗花舞》(初中第四册课本)时，我利用自己本身有舞蹈的专长，将内容节奏宜载歌载舞的一段编成简单的舞蹈片段，以边歌边舞的形式上课，吸引了同学的学习兴趣有时，我还让学生自己自由创编，培养他们的情感表达学生的积极性一样很高，起到了很好的效果 4，兴致淋漓地弹奏: 现在许多学生都会一点器乐，这方面的教学能提高学生识谱能力，巩固基本乐理的知识，增强对音乐的表现力，使他们的音乐素质得到全面的发展比如:在一节课器乐课上，讲的是打击乐器(初中第二册课本)，我找来了:鼓，钹，镲，碰铃，木鱼，小锣等等乐器，以组为单位，让学生每人都能使用到一件乐器然后，先让他们"玩"(既了解)，然后给一小段节奏，试着敲一敲，其他没有乐器的同学就用拍手或拍腿的方式配合轮流一圈后，通过训练，学生能把握了，我就将自己挑选来的音乐旋律和多媒体屏幕上的电影场景放给学生听，感受了解之后，让学生用手中的乐器发挥作用，来给音乐，场景配上简单的节奏虽然，学生开始会很糟糕，但他们能慢慢同过训练越来越好的虽然有点乱，但每一位学生都用心的听和感受，积极的参与，怕自己错过了机会，效果很好! 5，迷人的创作: 在音乐教育中，学生的创作是最珍贵的在教学中，作为老师，我应用个人电脑中最流行的迷笛音乐来制作软件，通过学习能制作属于自己的美妙音乐了打开Cakewalk，就能看到音轨窗(Track)，这是主窗口，它分为两部分，左边是各个音轨参数，右边是一条条被分割的整条音轨两边都一一对应我还给它们取了名字，以便于区分第二个主要的窗口就是钢琴卷帘窗(Piano Roll)从VIEW菜单中点击它就可以进入这个"神秘地带"了例如:我将自己制作的表现"课间"的音乐向学生展示: 1=C 2/4 5│11 21│0 6│65 0│06 62│22 02│22 6│5 3 0│ 5 5│3 3│6 6 0│12 22│02 03│5 ì│ì -‖ 通过展开讨论我的"课间"，学生表现出很强的兴趣从而激发了他们创作的欲望于是我便出示一系列场景如:餐厅里;宴会上;湖面划船;运动会上;猫捉老鼠等等让学生从乐句→乐联→乐段，逐渐来创作，使他们从音阶，旋律，节奏强弱多方面来体会，思考，表达，最终培养了学生具有审美的耳朵和高尚的情趣 [总结]综上所述，是我对吸引中学生上好音乐课的思考与探索实践证明:我的五点作法行知有效，是学生喜闻乐见的也是符合音乐教育的规律的我将在这条音乐教育的道路上继续思考与实践
给你点信息！你就当作参考吧！ 论文题目：论音乐表演中的创造性 摘要 ：音乐表演不仅仅是一种再现的艺术，更重要的是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。如何加强在表演中的创造性是众多的音乐教师和演奏者不断探索的重要课题。文章试从创造性在音乐表演中的地位及创造性与原作风格、个人风格、情感表现等方面作了探讨。 关键词 ：创造性 原创风格 个人风格 情感表现 音乐作为一种表演艺术，它必须通过表演者的参与才能将其中的乐音、思想、内涵等加以传达。它不同于绘画、文学等艺术形式能够直接地展示在人们面前，使人们能够感受到它的思想内涵。音乐可以说是一时一刻都不能离开表演的艺术，单独的乐谱是不能够给人以听觉上的享受的，只有和表演一起，才使得音乐具有了不断发展的生命力。 一、创造性在音乐表演中的地位 对于一首音乐作品来说，它的形成应该由三个环节组成——作曲家的创作、演奏（唱）家的表演、听众的欣赏，这三个环节缺一不可。只有在这三个部分完整的情况下，一首作品才能完整地被人们感知，获得审美上的一种享受。作曲家的创作，毋庸置疑是作品的本源，没有这个环节的完成就根本谈不上后两个环节的存在。而演奏（唱）家的表演处于中间环节，有着重要的作用，他对于能否正确表达音乐思想，能否使作品与听众之间达到情感的共鸣，能否为听者带来美感……都起着承上启下的作用。因此，音乐表演作为“二度创作”有着不可替代的重要地位。科普兰曾经有这么一段话：“如果了解作曲家的作品风格对聆听者来说是重要的话，对演绎者来说更是如此，因为演绎者是音乐的中间人。聆听者更多地听到的是演绎者对作曲家的想法，而不是作曲家。”①所以，对音乐作品的再创造从某种程度上来说比原作品更为重要，因此科普兰还有这样一个观点：“在作完曲之后，可怜的作曲家必须把它交给演绎艺术家，任其摆布——而我们又必须记住，后者是有自己的音乐风格和个性的人。”②英国著名的指挥家亨利·伍德在《论指挥》一书中也说道：“音乐是写下来没有生命的音符，需要通过表演来给予它生命。”③而在表演的过程中，演奏（唱）者作为“执行者”势必将音乐打上自己的“烙印”。音乐表演是赋予音乐作品生命力的创造性行为，它不仅仅是原样地再现，而是通过演奏（唱）者富于创造性、独特的表演，使音乐作品焕发新的光彩。从表演艺术美学的历史来看，表演美学主要有浪漫主义音乐表演、新古典主义音乐表演、原样主义音乐表演、当代音乐表演的综合倾向这几个流派，而钢琴表演也被包含其中。在这几种表演美学的观点中，演奏者对于同一首作品都有着不同的创造性表现，这样表现出的音乐就被打上了自己的或者不同流派的“烙印”。 二、音乐表演中的创造性应该注意的几个问题 音乐表演是由具有主观能动性的人执行的，因此在表演过程中音乐作品必然要被蒙上表演者的个性与创造性。但是，这种个性与创造性的表现并不是没有“度”的随意表现，它必须遵循一定的原则，否则，演奏的音乐就会“面目全非”。笔者认为，在钢琴表演中至少要注意创造性与原作风格、个人风格、情感表现之间的关系，才能使自己的表演更能为作曲家和听众之间做好“桥梁”。 创造性与原作风格 任何一首音乐作品都是产生于一定的历史年代，一定的社会环境中。因此，这些作品自一出现就带有了当时历史时代的风格与审美特征，它主要表现于乐谱上，这就是原作的真实性。在音乐表演中首先应处理好的一对关系，就是创造性与原作风格的关系。真正的表演艺术家都努力从历史的角度把握作品的音乐风格，并且力求将这种风格真实、完美地加以再现。他们尽可能地使自己去熟悉、体会作曲者生活的时代环境，努力体验作者当时的心理活动及思想，以便能够真切地表现作品的历史风格。著名的罗马尼亚作曲家、小提琴家埃涅斯库曾经说过：“我觉得我在演奏巴赫的一部奏鸣曲时，不置身于18世纪，那么我恐怕就不能很好地把作品表达出来了。”④在“第二次世界大战”之后，西方盛行的原样主义音乐表演不仅仅要求要严格按照原版乐谱演奏，而且还努力“还原”原来的演奏乐器、方法等等，努力恢复作品的原貌，这也是一种对作品风格的再现。当然，这样的演奏在今天看来也并不是我们大力提倡的，这毕竟是历史中的一个分支。 在表演中，除了要对原作风格进行较深入的了解，在保持原作风格不被破坏的情况下，还应该对作品进行创造性的表现。毕竟，表演者所处的时代已经与作曲家所处的时代不能完全等同，他们总是不自觉地站在自己时代的立场上，对音乐作品进行处理和创造。这样的音乐作品才更具有时代精神和美感，所以，表演者应该在自我创造性与原作风格之间找到更好的切入点，使自己的表演既能体现作曲家的原作风格，又具有自己的创造性，还能给听众以美的享受。 创造性与个人风格 音乐演奏是由演奏的执行者——人通过自己的认知活动而产生的，所以在这个过程中表演者必然体现自己长期形成的演奏风格。比如，在听美籍俄国钢琴演奏家霍洛维茨和阿根廷女钢琴演奏家阿格里希对同一首作品的诠释，应该有不同的感受。因为霍洛维茨更注重于技巧的表现，最大限度地发挥自身的创造个性。而阿格里希对音乐的表现更加“自我”，她综合了浪漫主义和新古典主义的表演美学观念，使她的表演焕发出新的光彩。因此相对来说，霍洛维茨的表演要稍微严谨一些。这些个人的风格就来自于演奏者长期的经验积累、知识积累，并且与自身的文化修养、阅历等也有着密切的关系。达尼埃利·玖尔克说：“表现个性是演奏者的主要任务。他应当致力于全身心地浸透乐曲的情绪，并通过如诉的音响将自己的感觉传达给听众。”⑤在音乐表演中也特别要求表演者艺术个性的自觉发挥。正是由于不同个性的存在，才使得音乐作为一种表演艺术在历史的发展中大放光彩。而表演者也将个性作为自己表演走向成熟的标志，表演者根据自身的条件，找到适合于自己的表演方式，从而形成自己的表演风格。所以，在表演过程中我们应该将创造性与个人风格结合起来，使音乐具有鲜明的个性，在表演中能够“独树一帜”。但是，在充分表现个人风格的同时还应注意一个问题：切莫将所有作曲家的作品都表演成一种风格，或者说这个也似乎有点像，那个似乎也有点感觉，这也是在表演中应该忌讳的。 创造性与情感表现 音乐如同其他艺术形态一样，通过音符、节奏、织体等表现手段，表达人的感情和对社会、生活的感受。音乐以其乐音的运动这种特殊的表达方式，以隐讳的手法（相对于文学作品来说）表现作曲家蕴含在作品中的感情。如果从乐曲中抽掉感情内容，乐曲就会沦为毫无意义的零碎的音响。⑥而在音乐表演中，演奏者不仅仅需要把谱面上应有的东西表达出来，还应该根据自己对乐曲的理解（这种理解包括作曲家的个性、创作时的心理、演奏者的生活阅历等）进行创造性地表演。表演者在表演过程中，应该完全进入该作品的情绪、内容，才能比较充分地表达出作曲家的本意。匈牙利伊施特万·加提写道：“如果我们想正确地演奏某一首乐曲，那么就应该在我们自身首先唤醒支配那首乐曲的热情。如果我们不适于产生这种热情，我们就不应演奏这首乐曲。”⑦比如在巴赫的赋格曲和贝多芬晚期的钢琴奏鸣曲中表达的是深刻寓意和哲理性的思想，只有演奏者自己真切体会和融入其中才能使听众产生同样的感受，使听众似乎回到了那个时代。因此，表演者永远都不要做转述者，只有在我们内心唤醒对乐曲中的某一华彩乐段、某一颤音的感情时，我们才能够很好地演奏它们，那么听众也会产生一种身临其境的感觉。所以，真正富有天才的演奏家绝不会满足于那种自我陶醉的音响美，他更多的是在发音中追求一种内容上的深度和真谛，从而达到艺术的最高层次。就如同现今存在的一种现象：掌握了高超的钢琴表演技巧的青少年大有人在，但是真正能够成为钢琴演奏家的却并不是很多。浪漫时期著名的作曲家和钢琴演奏家李斯特已经给我们指出了他们之间的不同之处：“在音之诗人和普通的音乐家之间有着巨大的差别，前者力求表达自己的感受，把这些感受再现于音乐中，后者循着传统的陈规，将音符排列、组合，轻巧地超越种种障碍，得到的至多是一些新奇而任意复杂的音响配合。”⑧但是，我们也不应该有这样的想法：既然钢琴表演中需要“我”的情感表现，那么“我”就可以没有限制地随意发挥。这样的观点无疑是走入了另外一个情感表现的极端。在音乐表演的过程中，表演者应该以作品原有的情感表现为基础，糅和自我的、有节制的感情表达，这样的表演才能做到“感人至深”，使自己的艺术追求逐渐走向“真、善、美”的境界。 结语 以伽达·默尔为代表的现代释义学认为，音乐表演不仅仅要追寻音乐的历史视界，即对音乐的历史意义做出解释；另一方面，也是更重要的，解释者必须有自己的视界。从这个意义上说，音乐表演就不仅仅是一种再现的艺术，更重要的应该是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。不同的人具有不同的创造力，不同的人也具有不同的理解力，即使是同一个人在不同的时期也会有不同的音乐体验。因此，音乐就随着不同表演者不同的创造性而具有不同的姿态，而这些也恰恰构成了音乐的多样性，也体现出了演奏者的综合素质和能力。所以，创造性在音乐中不是偶然的，而是必然的。 注释 ： ①②艾伦·科普兰怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版 ③闫妍浅议钢琴教学中音乐表演能力的培养，《宿州师专学报》，2002年6月 ④引自《音乐译文》，1959年第4辑 ⑤⑥⑦（匈牙利）约瑟夫·迦特钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版 ⑧引自《音乐的哲学与演奏者的创造》，《国外音乐资料》，人民音乐出版社编，第14辑 参考文献 ： [1]张前音乐表演艺术论稿，中央民族大学出版社出版 2004年11月 [2]（匈牙利）约瑟夫·迦特钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版，2000年8月 [3] 魏廷格钢琴学习指南，人民音乐出版社 1997年1月 [4] 艾伦·科普兰怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版 希望可以帮到你！
音乐教育毕业论文开题报告怎么写
我能肯定好的，知道更多，我名贵我肯定好的
中国教育论文大系上百篇论文任你选全免费
金景贵男，生于10月27日2006年1954年三月音乐，党委书记沉阳音乐学院纪委书记，教授。昌潍 1986年毕业于大连外国语学院山东师范大学数学系中国人，在1990年毕业，参加学习和毕业，沉阳工业大学，学习管理科学与工程，1999年毕业研究生1998年。 担任副主任，省委统战部办公室主任，省委统战部副巡视员，辽宁省非公有制经济代表人士的思想政治工作领导小组办公室，光彩事业基金会会长辽宁省，辽宁省光彩事业协会副会长，非公有制经济代表协会副会长辽宁省。 重点在非公有制经济发展研究辽宁省，已发表在发表学术论文10余篇，其中“辽宁经济发展的私人调查报告”国家级和省级刊物上的论文被评为优秀调研成果一等奖辽宁省“调查和辽宁省镇的统战工作思路”被评为辽宁省优秀科研成果奖。 2006年工作结合中写道，“在艺术院校思想政治工作的学生需要不断的探索和创新”荣获一等奖辽宁省教育厅。
音乐教育论文开题报告怎么写
中国教育论文大系上百篇论文任你选全免费
音乐教育是目前素质教育很重要的一部分如何上好音乐课呢 我调查了当前初中音乐课的现状，并进行了思考与探索，有如下实践:指导学生认真的理解，深情地歌唱，潜心的欣赏，兴致淋漓的弹奏，进而进行迷人的创作，以此培养学生的音乐素养使他们有一对审美的耳朵，高尚的情操 [关键词]音乐教育，音乐调查，思考，探索，音乐兴趣，审美 [引言]音乐作为人类社会的文化现象，它是一种以多种学科为基础和背景的学科体系它所体现出来的文化，是一种充满活力，开放的，流动的，动态的学科它以不断的变化去适应或影响人们思想的表达和情感的愿望，并且对人们观念的形成产生重要的作用 [正文]在现在这个人才竞争激烈，世界瞬息万变的社会中，人的总体素质被重视起来，而音乐则是其中非常重要的一部分，因此，音乐教育已经引起普遍的关注作为一名中学音乐教师所肩负的责任也是非常重大的但现在却有一种流行的说法:"学生喜欢音乐却不喜欢上音乐课"为什么会有这样的现象呢 这就要从两个方面去分析了 一，学生方面: 中学生的心理发展正处在一个特殊的阶段，其心理特征不同于儿童，也有别于成人，正是"半大人"时期中学阶段是他们生长的高峰期之一，随着生理上的巨大变化，心理发展也必然经历由量到质的变化过程原苏联的彼得罗夫斯基在论述中学生的心理特点时曾指出:中学生正处于少年末期，在他们身上同时存在"孩子气"和"成人气"的特性，既要求自尊，自治，在生活中表现出相当强的独立性，同时又对父母有一定的依赖性他们的音乐认知处于从幼稚向成熟的发展之中相比小学生而言，中学生的认知机能有了长足进步;而与成人相比，他们常常表现出表面性和片面性进入中学，结识了新的老师，同学，增加了许多新的学科，接触音乐的内容也更广泛了但是，由于学生的年龄和知识水平毕竟有限，故他们对音乐的认识还是比较肤浅的，常常受到社会的影响，简单的认为流行就是美，在通俗歌曲和摇滚乐的潮流迅速而猛烈的冲击下，很多学生对此十分喜欢，甚至要求在音乐课上也欣赏这一类内容，我就遇到了多次，从而反映了他们对音乐了解和认识的片面性 另外，中学生普遍喜欢唱歌，但初中阶段正进入变声期，许多学生的歌声不如童声了，特别是男生很明显，当他们听到别人悦耳的歌声时，不免产生焦虑，自卑的情绪在课上他们就不大愿意唱，或宁愿大家一起唱，以免显露自己的"不足"而且，随着中学学科的增加和分化，对于音乐来说，中学阶段既是建立音乐兴趣的时期，也可能是转移的时期他们已经能把探索的视线对着自己了一举一动会产生什么样的后果，别人怎么看自己，评价自己，都会是他们所关注的虽然也有一些人会大胆的当众表现自己，但大部分中学生还是显现一定的"闭锁性"，他们小学时对老师提的问题，总是能积极举手，毫无顾虑，中学则是在自己没有把握时决不举手，原因就是怕答错了，有损"形象"比如:我给初二的学生讲五线谱知识，讲解过后考考他们，要到黑板上画高音谱号和低音谱号，如果我说:"谁行的话就请自己举手上台来"那学生是绝对不会上前来的，哪怕我说:"画错了也没关系"，"画对了有加分"等等之类的话也都是无效的，学生表现的是:不爱动或不屑做其实这些举动的背后，是他们的羞怯心理在"作怪"，并且有一定的普遍性 二，教师方面: 首先，一些受了传统教育观念影响的教师们孤立地把"双基"作为主导或唯一的目标，而忽略了学生的兴趣，情感和自我表现能力在每周只有一节的课中，学生乘兴而来，却遇到枯燥的乐理，老套的教学模式，并没有带给学生音乐真正的美感，他们就往往以被动接受和心不在焉的方式进行逃避其次，有些音乐教师一直是孤军奋战，由于缺少相互学习和交流，久而久之成了自我封闭的教学模式，也有的因为曾经在教学上取得过一点成绩而在原地沾沾自喜，这些都与音乐教育的发展不合拍的有句话说得好:学生永远是新的如果我们教师停步不前，必会遭到历史的淘汰第三，教学内容和形式方面都趋于单调，许多学校都只*"老师的说和唱"，"粉笔"，"琴"，"录音机"等，课上除了唱歌就是听歌了还有些老师懒得设计课例，自制教具和使用已有的先进课件，就只用单调模式进行教学或者，有的老师喜欢主宰一切，学生只能洗耳恭听，气氛严肃枯燥第四，有些老师在学生面前要摆"先生架子"这样的话，就和学生有了隔阂和距离 那么，如何改变这一现状，吸引中学生上好音乐课呢 前提:我爱学生，从心底里喜欢他们!我把学生看成一个有待开启的宝库，虽然，他们有时会惹你生气，但我总是努力的去发现他们的闪光点同时，音乐是一门艺术课，我们老师也要像艺术家一样善于"进入角色"，针对学生这位"对象"，本着始终为教学服务的宗旨，老师要会演，既是演员，又是导演在《中学音乐教学大纲》的指导下，我在教学实践中是这样做的: 1，认真的理解: 中学基本乐理教学的任务是:在感受音乐的基础上，使他们认识、理解、掌握、运用知识、提高学生的独立视唱能力及感受、理解、表现。创造音乐的能力!但实践中，这方面的内容又是比较枯燥和不容易理解的所以，要采取一些特殊的导入，来增加他们学习的积极性例如:我在教"乐句"这一知识点时，先在黑板上出示一些简短的，拍子多样的，尾音上扬的旋律，如图: 1=C 3/4 (上句):∣5 - 65∣3 - 36∣5 5 ì6∣5 - -∣ (下句): (其他略) 他们会创编出很多好的下句，然后我就启发"这样是不是很象古代诗人在对诗啊 "通过创编，让学生自己归纳出乐句的概念和要求同时，我要求他们将好的旋律哼唱出来，也可以自己加上一些变化把小作品展示给大家，学生的积极性很高 又如:在视唱练耳方面，我采取了"比一比，赛一赛"的模式，让学生为自己小组争高分把视唱，听音，听辩和听记等教学内容编成游戏，比赛和抢答题他们争先恐后的样子可认真了 2，深情地歌唱: 中学的歌唱教学活动，是引导学生用歌声正确地表达歌曲思想内容和情感的针对不同情感的歌曲，老师要设计适当的导入比如，在教学生学唱《大海啊，故乡》(初中第二册音乐课本)时，我先请学生谈谈我们的家乡湖州他们就七嘴八舌地说开了，有说湖州地理和物产的;有说湖州名胜的;有说湖州名人的;有说赞美湖州的歌曲的;以及有说和湖州相关的诗词的等等„„我最后总结:"由此可以看出你们对家乡的了解和热爱，今天有一个人也很爱自己的故乡，但他是用歌声来表达的，我们带着几个问题来听听看"(问题:歌中的"我"故乡在哪里 这个"我"现在在故乡吗 他是怎么表达对故乡的爱的 )从而，让学生在理解了歌所要表达的情感后，让他们带着自己对故乡的热爱和歌曲的情感融合在一起来学唱，在唱的过程中他们能把情感处理得很好强弱都用得恰到好处最后，他们学会了，我拿出一首诗句"湖山信是东南美，一望弥千里"!让学生为这诗句来创编旋律，写好的同学既可以自己哼唱，也可以请一位"歌手"唱出来，优秀作品可以贴在作品栏里，从而激发了他们的创作欲望又如:我在教《河边对口曲》(初中音乐第三册课本)时，采用多媒体课件，放了一段战争小片段，让他们看后说说战争时期老百姓的生活学生能把自己从书上学到的知识和观看影片获得的资料描述出来然后，我将歌词设计成剧本的模式出示给他们看，给他们几分钟准备让学生来做演员，表演这一片段他们会很想试试的，并且要表演成功就一定会把歌曲情感全理解然后，我再象"导演"一样，给他们指导，最后把旋律加进来，说唱出来课堂气氛非常踊跃，取得了很好的效果在不知不觉中，学生既学会了革命歌曲，也使他们感受到这类作品同样很有魅力，并有很深刻的意义，不像一些流行歌曲，都是"情"和"爱" 3，潜心地欣赏: 音乐欣赏课的重点是从"听"中去感受作品，但如果提高和加强音乐课堂的意境设计，那会使每一堂课精彩，有趣，生动，活泼，同时，对陶冶情操，提高他们的欣赏能力，培养兴趣起到很大的作用但学生目前比较喜欢的是流行音乐，我要怎么让他们去听戏曲一类的作品呢 如:欣赏越剧《祥林嫂》(初中第四册课本)时，我以给学生讲一个故事的形式导入，将主人公凄惨的命运有感情的讲述，把学生的情感调动起来也以角色的表演带动来听祥林嫂唱《听他一番辛酸话》又例如:欣赏木管五重奏《窗花舞》(初中第四册课本)时，我利用自己本身有舞蹈的专长，将内容节奏宜载歌载舞的一段编成简单的舞蹈片段，以边歌边舞的形式上课，吸引了同学的学习兴趣有时，我还让学生自己自由创编，培养他们的情感表达学生的积极性一样很高，起到了很好的效果 4，兴致淋漓地弹奏: 现在许多学生都会一点器乐，这方面的教学能提高学生识谱能力，巩固基本乐理的知识，增强对音乐的表现力，使他们的音乐素质得到全面的发展比如:在一节课器乐课上，讲的是打击乐器(初中第二册课本)，我找来了:鼓，钹，镲，碰铃，木鱼，小锣等等乐器，以组为单位，让学生每人都能使用到一件乐器然后，先让他们"玩"(既了解)，然后给一小段节奏，试着敲一敲，其他没有乐器的同学就用拍手或拍腿的方式配合轮流一圈后，通过训练，学生能把握了，我就将自己挑选来的音乐旋律和多媒体屏幕上的电影场景放给学生听，感受了解之后，让学生用手中的乐器发挥作用，来给音乐，场景配上简单的节奏虽然，学生开始会很糟糕，但他们能慢慢同过训练越来越好的虽然有点乱，但每一位学生都用心的听和感受，积极的参与，怕自己错过了机会，效果很好! 5，迷人的创作: 在音乐教育中，学生的创作是最珍贵的在教学中，作为老师，我应用个人电脑中最流行的迷笛音乐来制作软件，通过学习能制作属于自己的美妙音乐了打开Cakewalk，就能看到音轨窗(Track)，这是主窗口，它分为两部分，左边是各个音轨参数，右边是一条条被分割的整条音轨两边都一一对应我还给它们取了名字，以便于区分第二个主要的窗口就是钢琴卷帘窗(Piano Roll)从VIEW菜单中点击它就可以进入这个"神秘地带"了例如:我将自己制作的表现"课间"的音乐向学生展示: 1=C 2/4 5│11 21│0 6│65 0│06 62│22 02│22 6│5 3 0│ 5 5│3 3│6 6 0│12 22│02 03│5 ì│ì -‖ 通过展开讨论我的"课间"，学生表现出很强的兴趣从而激发了他们创作的欲望于是我便出示一系列场景如:餐厅里;宴会上;湖面划船;运动会上;猫捉老鼠等等让学生从乐句→乐联→乐段，逐渐来创作，使他们从音阶，旋律，节奏强弱多方面来体会，思考，表达，最终培养了学生具有审美的耳朵和高尚的情趣 [总结]综上所述，是我对吸引中学生上好音乐课的思考与探索实践证明:我的五点作法行知有效，是学生喜闻乐见的也是符合音乐教育的规律的我将在这条音乐教育的道路上继续思考与实践
创作的主体是人，人分男女，考察戏曲创作问题也就不可不把主体性别问题纳入视野。从性别视角看，中国戏曲多写女性，是以擅长写女角著称的艺术。在西方，有持见激烈的女权/女性主义批评家单单以作家生理性别（sex）而不是社会性别（gender）判断其作品是否应当划归女性文学，其实难免偏颇。因为，从社会学而不仅仅是生理学角度看，女作家可以写女性而男作家也可以写女性，女作家可能按女权视角也可能按男权视角创作，男作家同样可能具有这种二重性。明白这点，对于我们正确认识东方戏曲文学史上的性别与创作问题，有重要意义。 较之诗文创作，中国戏曲作家在群体性别阵营上的女性弱势很明显，尤其是在古代。从外部看，历史上的诗文女作家不在少数，但戏曲女作家寥若晨星；从内部看，女角戏向来为戏曲艺术所重，写戏并写得成就赫然的女作家在梨园中却属凤毛麟角。究其原因，盖在“菲勒斯中心”传统制约下的社会里，女性受教育的权利犹如她们自身一样通常是处于被剥夺、被遗忘状态，读书写作向来都被认同为男儿们的专利（对男子来说，“立言”有如“立功”、“立德”，同是他的立身处世之本），对此西方女权主义批评家多有言及。大势若此，即使象中国古典戏曲这滋生于乡村市井俗文化土壤且跟边缘化境遇中的女性多有瓜葛的产物，也概莫例外。别的不说，仅以后人整理出版的《中国十大古典喜剧集》、《中国十大古典悲剧集》和《中国十大古典悲喜剧集》为例，整整30部古今流传的名剧竟无一直接归属女性名下，就分明指证着一个别无选择的性别文化事实。在古代戏曲史上，女作家尽管不能说没有，却屈指可数，散兵游勇，影响甚微，实在难成什么大气候，加之“边缘人”的角色身份自出生起就被社会所牢牢铸定，其人其作其成就亦大多
给你点信息！你就当作参考吧！ 论文题目：论音乐表演中的创造性 摘要 ：音乐表演不仅仅是一种再现的艺术，更重要的是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。如何加强在表演中的创造性是众多的音乐教师和演奏者不断探索的重要课题。文章试从创造性在音乐表演中的地位及创造性与原作风格、个人风格、情感表现等方面作了探讨。 关键词 ：创造性 原创风格 个人风格 情感表现 音乐作为一种表演艺术，它必须通过表演者的参与才能将其中的乐音、思想、内涵等加以传达。它不同于绘画、文学等艺术形式能够直接地展示在人们面前，使人们能够感受到它的思想内涵。音乐可以说是一时一刻都不能离开表演的艺术，单独的乐谱是不能够给人以听觉上的享受的，只有和表演一起，才使得音乐具有了不断发展的生命力。 一、创造性在音乐表演中的地位 对于一首音乐作品来说，它的形成应该由三个环节组成——作曲家的创作、演奏（唱）家的表演、听众的欣赏，这三个环节缺一不可。只有在这三个部分完整的情况下，一首作品才能完整地被人们感知，获得审美上的一种享受。作曲家的创作，毋庸置疑是作品的本源，没有这个环节的完成就根本谈不上后两个环节的存在。而演奏（唱）家的表演处于中间环节，有着重要的作用，他对于能否正确表达音乐思想，能否使作品与听众之间达到情感的共鸣，能否为听者带来美感……都起着承上启下的作用。因此，音乐表演作为“二度创作”有着不可替代的重要地位。科普兰曾经有这么一段话：“如果了解作曲家的作品风格对聆听者来说是重要的话，对演绎者来说更是如此，因为演绎者是音乐的中间人。聆听者更多地听到的是演绎者对作曲家的想法，而不是作曲家。”①所以，对音乐作品的再创造从某种程度上来说比原作品更为重要，因此科普兰还有这样一个观点：“在作完曲之后，可怜的作曲家必须把它交给演绎艺术家，任其摆布——而我们又必须记住，后者是有自己的音乐风格和个性的人。”②英国著名的指挥家亨利·伍德在《论指挥》一书中也说道：“音乐是写下来没有生命的音符，需要通过表演来给予它生命。”③而在表演的过程中，演奏（唱）者作为“执行者”势必将音乐打上自己的“烙印”。音乐表演是赋予音乐作品生命力的创造性行为，它不仅仅是原样地再现，而是通过演奏（唱）者富于创造性、独特的表演，使音乐作品焕发新的光彩。从表演艺术美学的历史来看，表演美学主要有浪漫主义音乐表演、新古典主义音乐表演、原样主义音乐表演、当代音乐表演的综合倾向这几个流派，而钢琴表演也被包含其中。在这几种表演美学的观点中，演奏者对于同一首作品都有着不同的创造性表现，这样表现出的音乐就被打上了自己的或者不同流派的“烙印”。 二、音乐表演中的创造性应该注意的几个问题 音乐表演是由具有主观能动性的人执行的，因此在表演过程中音乐作品必然要被蒙上表演者的个性与创造性。但是，这种个性与创造性的表现并不是没有“度”的随意表现，它必须遵循一定的原则，否则，演奏的音乐就会“面目全非”。笔者认为，在钢琴表演中至少要注意创造性与原作风格、个人风格、情感表现之间的关系，才能使自己的表演更能为作曲家和听众之间做好“桥梁”。 创造性与原作风格 任何一首音乐作品都是产生于一定的历史年代，一定的社会环境中。因此，这些作品自一出现就带有了当时历史时代的风格与审美特征，它主要表现于乐谱上，这就是原作的真实性。在音乐表演中首先应处理好的一对关系，就是创造性与原作风格的关系。真正的表演艺术家都努力从历史的角度把握作品的音乐风格，并且力求将这种风格真实、完美地加以再现。他们尽可能地使自己去熟悉、体会作曲者生活的时代环境，努力体验作者当时的心理活动及思想，以便能够真切地表现作品的历史风格。著名的罗马尼亚作曲家、小提琴家埃涅斯库曾经说过：“我觉得我在演奏巴赫的一部奏鸣曲时，不置身于18世纪，那么我恐怕就不能很好地把作品表达出来了。”④在“第二次世界大战”之后，西方盛行的原样主义音乐表演不仅仅要求要严格按照原版乐谱演奏，而且还努力“还原”原来的演奏乐器、方法等等，努力恢复作品的原貌，这也是一种对作品风格的再现。当然，这样的演奏在今天看来也并不是我们大力提倡的，这毕竟是历史中的一个分支。 在表演中，除了要对原作风格进行较深入的了解，在保持原作风格不被破坏的情况下，还应该对作品进行创造性的表现。毕竟，表演者所处的时代已经与作曲家所处的时代不能完全等同，他们总是不自觉地站在自己时代的立场上，对音乐作品进行处理和创造。这样的音乐作品才更具有时代精神和美感，所以，表演者应该在自我创造性与原作风格之间找到更好的切入点，使自己的表演既能体现作曲家的原作风格，又具有自己的创造性，还能给听众以美的享受。 创造性与个人风格 音乐演奏是由演奏的执行者——人通过自己的认知活动而产生的，所以在这个过程中表演者必然体现自己长期形成的演奏风格。比如，在听美籍俄国钢琴演奏家霍洛维茨和阿根廷女钢琴演奏家阿格里希对同一首作品的诠释，应该有不同的感受。因为霍洛维茨更注重于技巧的表现，最大限度地发挥自身的创造个性。而阿格里希对音乐的表现更加“自我”，她综合了浪漫主义和新古典主义的表演美学观念，使她的表演焕发出新的光彩。因此相对来说，霍洛维茨的表演要稍微严谨一些。这些个人的风格就来自于演奏者长期的经验积累、知识积累，并且与自身的文化修养、阅历等也有着密切的关系。达尼埃利·玖尔克说：“表现个性是演奏者的主要任务。他应当致力于全身心地浸透乐曲的情绪，并通过如诉的音响将自己的感觉传达给听众。”⑤在音乐表演中也特别要求表演者艺术个性的自觉发挥。正是由于不同个性的存在，才使得音乐作为一种表演艺术在历史的发展中大放光彩。而表演者也将个性作为自己表演走向成熟的标志，表演者根据自身的条件，找到适合于自己的表演方式，从而形成自己的表演风格。所以，在表演过程中我们应该将创造性与个人风格结合起来，使音乐具有鲜明的个性，在表演中能够“独树一帜”。但是，在充分表现个人风格的同时还应注意一个问题：切莫将所有作曲家的作品都表演成一种风格，或者说这个也似乎有点像，那个似乎也有点感觉，这也是在表演中应该忌讳的。 创造性与情感表现 音乐如同其他艺术形态一样，通过音符、节奏、织体等表现手段，表达人的感情和对社会、生活的感受。音乐以其乐音的运动这种特殊的表达方式，以隐讳的手法（相对于文学作品来说）表现作曲家蕴含在作品中的感情。如果从乐曲中抽掉感情内容，乐曲就会沦为毫无意义的零碎的音响。⑥而在音乐表演中，演奏者不仅仅需要把谱面上应有的东西表达出来，还应该根据自己对乐曲的理解（这种理解包括作曲家的个性、创作时的心理、演奏者的生活阅历等）进行创造性地表演。表演者在表演过程中，应该完全进入该作品的情绪、内容，才能比较充分地表达出作曲家的本意。匈牙利伊施特万·加提写道：“如果我们想正确地演奏某一首乐曲，那么就应该在我们自身首先唤醒支配那首乐曲的热情。如果我们不适于产生这种热情，我们就不应演奏这首乐曲。”⑦比如在巴赫的赋格曲和贝多芬晚期的钢琴奏鸣曲中表达的是深刻寓意和哲理性的思想，只有演奏者自己真切体会和融入其中才能使听众产生同样的感受，使听众似乎回到了那个时代。因此，表演者永远都不要做转述者，只有在我们内心唤醒对乐曲中的某一华彩乐段、某一颤音的感情时，我们才能够很好地演奏它们，那么听众也会产生一种身临其境的感觉。所以，真正富有天才的演奏家绝不会满足于那种自我陶醉的音响美，他更多的是在发音中追求一种内容上的深度和真谛，从而达到艺术的最高层次。就如同现今存在的一种现象：掌握了高超的钢琴表演技巧的青少年大有人在，但是真正能够成为钢琴演奏家的却并不是很多。浪漫时期著名的作曲家和钢琴演奏家李斯特已经给我们指出了他们之间的不同之处：“在音之诗人和普通的音乐家之间有着巨大的差别，前者力求表达自己的感受，把这些感受再现于音乐中，后者循着传统的陈规，将音符排列、组合，轻巧地超越种种障碍，得到的至多是一些新奇而任意复杂的音响配合。”⑧但是，我们也不应该有这样的想法：既然钢琴表演中需要“我”的情感表现，那么“我”就可以没有限制地随意发挥。这样的观点无疑是走入了另外一个情感表现的极端。在音乐表演的过程中，表演者应该以作品原有的情感表现为基础，糅和自我的、有节制的感情表达，这样的表演才能做到“感人至深”，使自己的艺术追求逐渐走向“真、善、美”的境界。 结语 以伽达·默尔为代表的现代释义学认为，音乐表演不仅仅要追寻音乐的历史视界，即对音乐的历史意义做出解释；另一方面，也是更重要的，解释者必须有自己的视界。从这个意义上说，音乐表演就不仅仅是一种再现的艺术，更重要的应该是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。不同的人具有不同的创造力，不同的人也具有不同的理解力，即使是同一个人在不同的时期也会有不同的音乐体验。因此，音乐就随着不同表演者不同的创造性而具有不同的姿态，而这些也恰恰构成了音乐的多样性，也体现出了演奏者的综合素质和能力。所以，创造性在音乐中不是偶然的，而是必然的。 注释 ： ①②艾伦·科普兰怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版 ③闫妍浅议钢琴教学中音乐表演能力的培养，《宿州师专学报》，2002年6月 ④引自《音乐译文》，1959年第4辑 ⑤⑥⑦（匈牙利）约瑟夫·迦特钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版 ⑧引自《音乐的哲学与演奏者的创造》，《国外音乐资料》，人民音乐出版社编，第14辑 参考文献 ： [1]张前音乐表演艺术论稿，中央民族大学出版社出版 2004年11月 [2]（匈牙利）约瑟夫·迦特钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版，2000年8月 [3] 魏廷格钢琴学习指南，人民音乐出版社 1997年1月 [4] 艾伦·科普兰怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版 希望可以帮到你！
音乐毕业论文开题报告怎么写啊
给你点信息！你就当作参考吧！ 论文题目：论音乐表演中的创造性 摘要 ：音乐表演不仅仅是一种再现的艺术，更重要的是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。如何加强在表演中的创造性是众多的音乐教师和演奏者不断探索的重要课题。文章试从创造性在音乐表演中的地位及创造性与原作风格、个人风格、情感表现等方面作了探讨。 关键词 ：创造性 原创风格 个人风格 情感表现 音乐作为一种表演艺术，它必须通过表演者的参与才能将其中的乐音、思想、内涵等加以传达。它不同于绘画、文学等艺术形式能够直接地展示在人们面前，使人们能够感受到它的思想内涵。音乐可以说是一时一刻都不能离开表演的艺术，单独的乐谱是不能够给人以听觉上的享受的，只有和表演一起，才使得音乐具有了不断发展的生命力。 一、创造性在音乐表演中的地位 对于一首音乐作品来说，它的形成应该由三个环节组成——作曲家的创作、演奏（唱）家的表演、听众的欣赏，这三个环节缺一不可。只有在这三个部分完整的情况下，一首作品才能完整地被人们感知，获得审美上的一种享受。作曲家的创作，毋庸置疑是作品的本源，没有这个环节的完成就根本谈不上后两个环节的存在。而演奏（唱）家的表演处于中间环节，有着重要的作用，他对于能否正确表达音乐思想，能否使作品与听众之间达到情感的共鸣，能否为听者带来美感……都起着承上启下的作用。因此，音乐表演作为“二度创作”有着不可替代的重要地位。科普兰曾经有这么一段话：“如果了解作曲家的作品风格对聆听者来说是重要的话，对演绎者来说更是如此，因为演绎者是音乐的中间人。聆听者更多地听到的是演绎者对作曲家的想法，而不是作曲家。”①所以，对音乐作品的再创造从某种程度上来说比原作品更为重要，因此科普兰还有这样一个观点：“在作完曲之后，可怜的作曲家必须把它交给演绎艺术家，任其摆布——而我们又必须记住，后者是有自己的音乐风格和个性的人。”②英国著名的指挥家亨利·伍德在《论指挥》一书中也说道：“音乐是写下来没有生命的音符，需要通过表演来给予它生命。”③而在表演的过程中，演奏（唱）者作为“执行者”势必将音乐打上自己的“烙印”。音乐表演是赋予音乐作品生命力的创造性行为，它不仅仅是原样地再现，而是通过演奏（唱）者富于创造性、独特的表演，使音乐作品焕发新的光彩。从表演艺术美学的历史来看，表演美学主要有浪漫主义音乐表演、新古典主义音乐表演、原样主义音乐表演、当代音乐表演的综合倾向这几个流派，而钢琴表演也被包含其中。在这几种表演美学的观点中，演奏者对于同一首作品都有着不同的创造性表现，这样表现出的音乐就被打上了自己的或者不同流派的“烙印”。 二、音乐表演中的创造性应该注意的几个问题 音乐表演是由具有主观能动性的人执行的，因此在表演过程中音乐作品必然要被蒙上表演者的个性与创造性。但是，这种个性与创造性的表现并不是没有“度”的随意表现，它必须遵循一定的原则，否则，演奏的音乐就会“面目全非”。笔者认为，在钢琴表演中至少要注意创造性与原作风格、个人风格、情感表现之间的关系，才能使自己的表演更能为作曲家和听众之间做好“桥梁”。 创造性与原作风格 任何一首音乐作品都是产生于一定的历史年代，一定的社会环境中。因此，这些作品自一出现就带有了当时历史时代的风格与审美特征，它主要表现于乐谱上，这就是原作的真实性。在音乐表演中首先应处理好的一对关系，就是创造性与原作风格的关系。真正的表演艺术家都努力从历史的角度把握作品的音乐风格，并且力求将这种风格真实、完美地加以再现。他们尽可能地使自己去熟悉、体会作曲者生活的时代环境，努力体验作者当时的心理活动及思想，以便能够真切地表现作品的历史风格。著名的罗马尼亚作曲家、小提琴家埃涅斯库曾经说过：“我觉得我在演奏巴赫的一部奏鸣曲时，不置身于18世纪，那么我恐怕就不能很好地把作品表达出来了。”④在“第二次世界大战”之后，西方盛行的原样主义音乐表演不仅仅要求要严格按照原版乐谱演奏，而且还努力“还原”原来的演奏乐器、方法等等，努力恢复作品的原貌，这也是一种对作品风格的再现。当然，这样的演奏在今天看来也并不是我们大力提倡的，这毕竟是历史中的一个分支。 在表演中，除了要对原作风格进行较深入的了解，在保持原作风格不被破坏的情况下，还应该对作品进行创造性的表现。毕竟，表演者所处的时代已经与作曲家所处的时代不能完全等同，他们总是不自觉地站在自己时代的立场上，对音乐作品进行处理和创造。这样的音乐作品才更具有时代精神和美感，所以，表演者应该在自我创造性与原作风格之间找到更好的切入点，使自己的表演既能体现作曲家的原作风格，又具有自己的创造性，还能给听众以美的享受。 创造性与个人风格 音乐演奏是由演奏的执行者——人通过自己的认知活动而产生的，所以在这个过程中表演者必然体现自己长期形成的演奏风格。比如，在听美籍俄国钢琴演奏家霍洛维茨和阿根廷女钢琴演奏家阿格里希对同一首作品的诠释，应该有不同的感受。因为霍洛维茨更注重于技巧的表现，最大限度地发挥自身的创造个性。而阿格里希对音乐的表现更加“自我”，她综合了浪漫主义和新古典主义的表演美学观念，使她的表演焕发出新的光彩。因此相对来说，霍洛维茨的表演要稍微严谨一些。这些个人的风格就来自于演奏者长期的经验积累、知识积累，并且与自身的文化修养、阅历等也有着密切的关系。达尼埃利·玖尔克说：“表现个性是演奏者的主要任务。他应当致力于全身心地浸透乐曲的情绪，并通过如诉的音响将自己的感觉传达给听众。”⑤在音乐表演中也特别要求表演者艺术个性的自觉发挥。正是由于不同个性的存在，才使得音乐作为一种表演艺术在历史的发展中大放光彩。而表演者也将个性作为自己表演走向成熟的标志，表演者根据自身的条件，找到适合于自己的表演方式，从而形成自己的表演风格。所以，在表演过程中我们应该将创造性与个人风格结合起来，使音乐具有鲜明的个性，在表演中能够“独树一帜”。但是，在充分表现个人风格的同时还应注意一个问题：切莫将所有作曲家的作品都表演成一种风格，或者说这个也似乎有点像，那个似乎也有点感觉，这也是在表演中应该忌讳的。 创造性与情感表现 音乐如同其他艺术形态一样，通过音符、节奏、织体等表现手段，表达人的感情和对社会、生活的感受。音乐以其乐音的运动这种特殊的表达方式，以隐讳的手法（相对于文学作品来说）表现作曲家蕴含在作品中的感情。如果从乐曲中抽掉感情内容，乐曲就会沦为毫无意义的零碎的音响。⑥而在音乐表演中，演奏者不仅仅需要把谱面上应有的东西表达出来，还应该根据自己对乐曲的理解（这种理解包括作曲家的个性、创作时的心理、演奏者的生活阅历等）进行创造性地表演。表演者在表演过程中，应该完全进入该作品的情绪、内容，才能比较充分地表达出作曲家的本意。匈牙利伊施特万·加提写道：“如果我们想正确地演奏某一首乐曲，那么就应该在我们自身首先唤醒支配那首乐曲的热情。如果我们不适于产生这种热情，我们就不应演奏这首乐曲。”⑦比如在巴赫的赋格曲和贝多芬晚期的钢琴奏鸣曲中表达的是深刻寓意和哲理性的思想，只有演奏者自己真切体会和融入其中才能使听众产生同样的感受，使听众似乎回到了那个时代。因此，表演者永远都不要做转述者，只有在我们内心唤醒对乐曲中的某一华彩乐段、某一颤音的感情时，我们才能够很好地演奏它们，那么听众也会产生一种身临其境的感觉。所以，真正富有天才的演奏家绝不会满足于那种自我陶醉的音响美，他更多的是在发音中追求一种内容上的深度和真谛，从而达到艺术的最高层次。就如同现今存在的一种现象：掌握了高超的钢琴表演技巧的青少年大有人在，但是真正能够成为钢琴演奏家的却并不是很多。浪漫时期著名的作曲家和钢琴演奏家李斯特已经给我们指出了他们之间的不同之处：“在音之诗人和普通的音乐家之间有着巨大的差别，前者力求表达自己的感受，把这些感受再现于音乐中，后者循着传统的陈规，将音符排列、组合，轻巧地超越种种障碍，得到的至多是一些新奇而任意复杂的音响配合。”⑧但是，我们也不应该有这样的想法：既然钢琴表演中需要“我”的情感表现，那么“我”就可以没有限制地随意发挥。这样的观点无疑是走入了另外一个情感表现的极端。在音乐表演的过程中，表演者应该以作品原有的情感表现为基础，糅和自我的、有节制的感情表达，这样的表演才能做到“感人至深”，使自己的艺术追求逐渐走向“真、善、美”的境界。 结语 以伽达·默尔为代表的现代释义学认为，音乐表演不仅仅要追寻音乐的历史视界，即对音乐的历史意义做出解释；另一方面，也是更重要的，解释者必须有自己的视界。从这个意义上说，音乐表演就不仅仅是一种再现的艺术，更重要的应该是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。不同的人具有不同的创造力，不同的人也具有不同的理解力，即使是同一个人在不同的时期也会有不同的音乐体验。因此，音乐就随着不同表演者不同的创造性而具有不同的姿态，而这些也恰恰构成了音乐的多样性，也体现出了演奏者的综合素质和能力。所以，创造性在音乐中不是偶然的，而是必然的。 注释 ： ①②艾伦·科普兰怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版 ③闫妍浅议钢琴教学中音乐表演能力的培养，《宿州师专学报》，2002年6月 ④引自《音乐译文》，1959年第4辑 ⑤⑥⑦（匈牙利）约瑟夫·迦特钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版 ⑧引自《音乐的哲学与演奏者的创造》，《国外音乐资料》，人民音乐出版社编，第14辑 参考文献 ： [1]张前音乐表演艺术论稿，中央民族大学出版社出版 2004年11月 [2]（匈牙利）约瑟夫·迦特钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版，2000年8月 [3] 魏廷格钢琴学习指南，人民音乐出版社 1997年1月 [4] 艾伦·科普兰怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版 希望可以帮到你！
回答 毕业论文的开题报告由八个部分组成：（一）论文名称（二） 论文研究的目的、意义（三）本论文国内外研究的历史和现状（文献综述）（四）论文研究的指导思想（五） 论文写作的目标（六）论文的基本内容（七）论文写作的方法（八）论文写作的步骤
浅谈歌唱的发声练习毕业设计（论文）开题报告课题名称： 浅谈歌唱的发声练习学生姓名： 系 别： 音 乐 系专 业： 音 乐 学指导教师： 一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：歌唱作为一门艺术，它必须经过一定时间的专门训练，以形成一种自觉掌握歌唱规律的能力，并满足专业歌唱在表达思想感情和自如地运用声音技巧的各种需要。 在西欧歌唱艺术长期的历史进程中，很多优秀的声乐大师就对歌唱发声训练提出过权威的见解。如美国维克托亚历山大菲尔菲所著的《训练歌声》中就提到了嗓音练习的重要性，并列举了各种嗓音教学法；弗兰皮尔蒂在《嗓音遗训》中提出了元音发音初论，并以八大法则的形式重述练习歌唱过程中应严格遵循的要点；意大利花腔女高音歌唱家迦丽库琪在嗓音训练方面的经验之一就是把大部分时间专注于简单的，慢的发声练习中。在国内，李晋媛在《沈湘声乐教学艺术》中就提到了声乐练习曲应有目的，有针对性地对声乐教学目的起到良好的效果;周维民由中央音乐学院的教师喻宜萱、沈湘、郭淑珍及保加利亚著名声乐专家的指导下，依照歌唱医学基本原理，总结了十八字的“发声三字经”，即气息深、音位高、共鸣混、腔体开、喉结稳、下颚松；联想到我国戏曲界对于如何发声的问题也有类似的口诀：“头顶虚空，两肩放松，气走丹田，全凭腰转，唱要栓腰”等等。根据国内外对歌唱发声的研究动态来看，说明了发声练习是培养歌唱者掌握科学的歌唱方法的重要基础训练之一。它是歌唱者的发声得到进一步的发展与提高，并器官在合乎自然生理规律的状态下，通过科学正确的指导，纠正错误的发声方法和不良习惯，确立正确的发声方法，为歌唱打下良好的基础。歌唱发声练习的意义，简要地说，就是调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，使学唱歌的人把普通的声带磨练成能发出优美动听、有持久力的、合乎科学方法的及有艺术感染力的声音来，是非常具有现实意义的。二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：(一)发声练习的基本作用 改善音质; 扩展音域; 调节音响; 丰富音色;(二)发声练习曲的基本类型 连音练习 顿音练习 母音练习 力度控制练习 带词练习(三)发声训练的基本方法 歌唱发声的姿势和要求; 发声训练的三个阶段:自然声区的练习;在巩固自然声区的基础上扩大音域;进一步扩大音域，练唱较复杂的练习;解决的主要问题：本论文写作的目的，主要是通过科学正确的发声训练，纠正错误的发声方法和不良习惯，确立正确的发声方法，为歌唱打下良好的基础。三、研究的步骤、方法、措施及进度安排： 研究步骤(1) 依据论文参考题目查阅资料(2) 根据对收集到的资料的阅读，构思论文提纲写出开题报告(3) 根据选定的论文题目继续进行资料收集与分析(4) 进行论文撰写 研究方法及主要措施(1) 到图书馆查阅相关资料及前人写的相关文献(2) 网上查阅相关资料及文献(3) 与同学相互讨论(4) 请教论文指导老师(或走访专家) 进度安排（1）11月查询相关资料（2）11月28日确定研究方向，继续在网上、图书馆查阅资料（3）12月开题报告并作好开题答辩准备（4）2006年1月开始正文的写作（草稿）（5）2006年3月中旬接受中期检查（6）2006年4月修改完善文稿（7）2006年5月准备参加论文答辩
毕业论文开题报告论文题目:学生姓名:学号:专业:指导教师:年月日开题报告填写要求开题报告作为毕业设计(论文)答辩委员会对学生答辩资格审查的依据材料之一此报告应在指导教师指导下，由学生在毕业设计(论文)工作前期内完成，经指导教师签署意见审查后生效开题报告内容必须用黑墨水笔工整书写，按成教处统一设计的电子文档标准格式打印，禁止打印在其它纸上后剪贴，完成后应及时交给指导教师签署意见学生查阅资料的参考文献应在3篇及以上(不包括辞典，手册)，开题报告的字数要在1000字以上有关年月日等日期的填写，应当按照国标GB/T7408—94《数据元和交换格式，信息交换，日期和时间表示法》规定的要求，一律用阿拉伯数字书写如"2004年9月26日"或"2004-09-26"毕业论文开题报告本课题的研究意义中国互联网经过10年的持续发展。目前在普及应用上正步入崭新的多元化应用阶段。有关数据显示，中国宽带用户、网络国际出口带宽、上网方式和途径、网络应用服务更趋多样化。人们对互联网的使用广度、信用度、依赖度正在逐步提高。随着网络提供的功能和服务的进一步完善，网络应用化、生活化服务正逐步成熟。互联网的影响正逐步渗透到人们生产、生活、工作、学习的各个角落。中国互联网整体呈现较快的增长态势。但中国地区之间互联网发展水平、普及水平还存在明显的差距，呈现"东快、西慢，城快、村慢"的特点，因此，加大对于互联网应用和发展的研究力度，借鉴国外互联网应用的成功范例引入和普及互联网应用的先进经验是当务之急。本课题的重点和难点第一，从全国人口来看，互联网普及率还很低，仅有9%，与世界平均水平约14%还有较大差距。因此要普及互联网，让更多人来使用互联网是任重道远的事情。第二，网上信息资源还不够丰富，质量比较好的、能反映我国优秀文化的、对广大网民有真正用处的信息还不够多。根据国信办的调查，截至2004年底，我国共有5亿中文网页，比2003年底差不多翻了一番，但是仅占全世界网页数量(300多亿)的2%，比例很低。因此我们需要网上有更多丰富的内容，特别是健康的、有质量的、有针对性的内容。第三，目前，互联网产业虽然在电子政务、电子商务方面进行了不少探索，也取得了一些成果，但是从整体上看网络应用水平和实效(即网民的用户体验)还比较初级。在技术驱动下产生的包括网络游戏、电子商务、无线宽带、VoIP、P2P等新的应用还没有形成成熟的盈利模式。第四，新技术发展遭遇机遇和挑战。当前国外互联网新技术层出不穷，一直处于互联网发展的领先地位，而我国的自主创新能力比较薄弱，因此需要更加努力，迎头赶上。第五，网络安全和网络文明面临严峻挑战。网络文明要靠政府法制、行业自律、网民的自觉来维护，而最关键的应该是网民素质的提高。就像交通管理一样，有交通法规的限制，也有警察的监管，但是最关键的还是司机素质的提高，否则交通事故还是无法避免的。同时，提供内容、服务的企业也应当承担其责任，实施行业自律。论文提纲我国互联网在若干领域的应用互联网在政府中的应用互联网在企业中的应用互联网在消费群体中的应用我国互联网应用前景互联网将加速融入我们的生活互联网经济逐渐产生效益宽带网络建设打通互联网应用瓶颈互联网成为国民经济新的增长点毕业论文开题报告指导教师意见:(对本课题的深度，广度及工作量的意见)指导教师:(亲笔签名)年月日系部审查意见:系部负责人:(亲笔签名)年月日