毕业论文浅析孙以强钢琴作品

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谷粒飞舞是一个很有名的钢琴曲,是很多人喜欢的对象,是孙以强著曲,速度为96的高速曲,其8度很多>今晚，厦门爱乐乐团将推出“古典馨香”交响音乐会，乐团邀请到钢琴家孙以强加盟音乐会。这位出色的钢琴家可能有些人还不太认识，但其实读上海音乐学院的时候，孙以强和殷承宗不仅同班，还是同一个宿舍。孙以强念钢琴专业出身，说自己“作曲的兴趣远不如弹琴的兴趣大”。但他为国内众多习琴者、爱乐者熟悉，却是因为自己写的钢琴曲《谷粒飞舞》、《春舞》等作品。这两首作品本就因为富有个性的旋律受人喜爱，自从十几年前《谷粒飞舞》被列入钢琴考级的十级曲目后，弹者剧增，可以称之为琴童熟悉度最高的曲目之一。而已经是国际级钢琴家的郎朗，新近出版的《黄河之子》专辑，也把《春舞》收录其中，并在多场音乐会上加演《春舞》，乐曲的魅力可见一斑。孙以强昨日透露，被人以为是专业作曲家作品的《谷粒飞舞》，实际上是自己年仅19岁时在农民家里坐地上写出来的。“那是1961年，我在上海音乐学院念钢琴系大一，到上海郊区深入劳动生活”，孙以强说，当时种满稻子的郊区其实就是现在的浦东，去了以后，住在农民家里，看打稻子，看农民劳作，某一天突然觉得这就是很好的题材，一下子来了兴致，在农民家里靠墙席地而坐，虽然没钢琴，却在一小时内就把整首曲子写好了。“打稻子，米不断地掉出来，用重复音，西洋音乐里的托卡塔表现很棒”，孙以强从附中就开始喜欢写点音乐作品，因此当时不过觉得自己是写了一首返校后可以表演的曲目罢了，完全没料到之后这首作品“大红大紫”，成了中国作品里的明星钢琴曲。 “我们那时候总觉得只有贝多芬、莫扎特的东西才是经典，中国作品就是点缀而已”，孙以强看着自己的曲子被钢琴名家李名强带出国，看它在香港发表，几年后“不知道怎么搞的大家都弹”，有时也觉得不可思议，“它到今天还这么受欢迎，其实钢琴老师和琴童因为喜欢它而去学也是特别重要的原因，他们好像都想弹”。而另一首受人喜爱的《春舞》，是孙以强上世纪70年代末在中国交响乐团工作时，应钢琴家刘诗昆之邀所写。“新疆到了葡萄熟了的时候，男男女女都去摘葡萄，到了黄昏才回来。他们边摘边舞对我启发很大，感觉可以写成钢琴音乐”，因此，他用了打手鼓的元素，运用新疆的节奏去作曲。之后同样成了中国钢琴曲的经典之作。曲子听起来欢快舒畅,给人一个字"爽"!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~可以了吗?口水都说干了!!!!!!!!!!!!!!!!!偶才10岁耶!!!!!!!!!!!!!1呼呼呼呼@_@累啊!

《春舞》为8-9级钢琴曲，《春舞》由孙以强谱写的钢琴曲，曲子有激昂、有柔美的地方，起伏大。前奏，柔和，轻柔，优美的感觉，似鸟儿婉转歌唱，如山泉缓缓流淌。接下来，节奏慢慢转为活泼、轻快，如新疆孩童玩耍嬉戏。

第三段加入了一些男子，刚毅，激情，语段越来越短，越来越短，以两手交替演奏的形式表现出新疆男子火热激情的舞蹈与呐喊。

最后一个D和弦结束终端。最后到达结尾，乐曲以幽静，恬静的形式完美地呈现出结局，如幽静的山涧，似舞蹈结束后，平地回响的脚步，这首乐曲具有浓郁的新疆风格。全曲分为引子、呈示、展开、再现四个部分。

扩展资料

《春舞》各种版本

1、郎朗演奏的《春舞 (Dance Of Spring)》，该歌曲收录在专辑《Dragon Songs》中，由环球唱片公司发行于2006-01-01，该张专辑包含了10首歌曲。

2、Jesse Cook演唱的《春舞 (Dance Of Spring)》，该歌曲收录在专辑《Tempest 狂风暴雨》中，由EMI百代唱片公司发行于1995-09-26，该张专辑包含了10首歌曲。

先回答你对樱の懜的追问：是演奏级几级的呢？演奏级，就是考完钢琴十级之后的“十一级”，比十级更高级呢，是最高水平了。我也觉得是演奏级。主要是因为现在的钢琴十级曲子太简单了。

钢琴作品分析论文题目

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2、从人类文明的早期开始，音乐文化就是其发展不可替代的一个方面。如果你对音乐史或其与社会的相互关系感兴趣，可以研究：

3、技术对音乐创作、发展和传播的贡献。如果技术是你感兴趣的领域，可以选择下列主题：

毕业论文浅谈钢琴伴奏

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提供一些艺术设计类的毕业论文题目，供参考。1.对现代艺术设计的再思考 2传统绘画艺术与现代艺术设计 3浅析CI设计中的企业文化冲击力4包装设计中人文思想的再思考 5标志设计与图形艺术的结合 6平面图形设计中的符号原理 7浅析品牌包装设计 8现代包装设计的文化观 9中国古代图徽与现代标志设计 10.现代标志设计与原始符号情结 11.造型设计与空间的利用12.浅谈住宅发展的趋向13.现代室内设计的发展趋势14.现代与传统的对话15.浅析家居装饰中的表现艺术16.色彩在景观中的应用17.艺术格调住宅18.国传统图案纹样与现代室内装饰设计19.办公空间设计中人性化的探讨20.传统建筑文化在现代空间设计中的应用21.商标标志设计之我见22.色彩设计与广告宣传效果融合23.艺术特性在广告中的把握24.情感设计广告创意中的再创意25.设计风格在品牌传播中的作用26.现代消费心理对广告设计的影响作用27.中华元素在品牌设计中的运用28.浅议中国品牌国际化与本土化问题29.室内设计新趋势30.室内设计中的绿色生态设计

高校音乐教育专业即兴伴奏教学措施论文

摘要：钢琴即兴伴奏教学是现阶段我国高等院校音乐教育专业的重要课程内容。钢琴即兴伴奏与音乐艺术表演的效果有着密不可分的关系。因此，高等院校音乐教育专业学生必须掌握钢琴即兴伴奏这门技能。钢琴即兴伴奏教学对于高等院校音乐教育来说，具有着十分重要的意义。然而，现阶段我国高等院校音乐教育专业钢琴即兴伴奏教学中还存在着一些问题。笔者针对现阶段我国高等院校音乐教育专业钢琴即兴伴奏教学中存在的问题进行了深入的探究与分析，并提出了改善高等院校乐教育专业钢琴即兴伴奏教学的有效措施，希望有助于高等院校乐教育专业钢琴即兴伴奏教学的开展。

关键词：高等院校；音乐教育专业；钢琴即兴伴奏教学；有效措施

在高等院校的音乐教育专业中，钢琴即兴伴奏是一门新兴起的综合性音乐学科，涵盖了多个学科的音乐知识与技巧。钢琴即兴伴奏教学具有着较强的实用性，同时也是高等院校音乐教育专业教师以及学生必须具备的一项基础的音乐技能。近些年来，随着我国教育事业的不断进步与发展，素质教育被提出，这就对高等院校的钢琴即兴伴奏教学提出了更高的要求，然而，在实际的高等院校音乐教育专业钢琴即兴伴奏教学过程中还存在着一些问题，影响着钢琴即兴伴奏教学的质量与效率。因此，针对高等院校的音乐教育专业钢琴即兴伴奏教学进行深入的探讨是十分有必要的。

一、现阶段我国高等院校音乐教育专业钢琴即兴伴奏教学中存在的问题

（一）课程设施缺乏合理性

钢琴即兴伴奏教学是高等院校音乐教育专业钢琴教学的重要内容之一。然而，现阶段部分高等院校的钢琴基础课程与钢琴即兴伴奏课程之间相互独立存在，并且分阶段性的开展教学[2]。在钢琴基础课程中仅仅是传授钢琴弹奏技巧，而在钢琴即兴伴奏课程中只强调配合弹奏，并且开设钢琴即兴伴奏课程的时间较为集中，这就使得钢琴基础与钢琴即兴伴奏课程之间的重要作用与优势很难充分的发挥。

（二）缺乏相关学科的必要支撑

与钢琴即兴伴奏课程相关的学科涵盖了钢琴演奏、声乐、视唱练耳、歌曲写作等[3]。而这些学科都有着自身的教学体系，并且分学科进行教学。在实际的钢琴即兴伴奏教学中，教师往往因为顾及自身教学学科的专业性，而忽略了钢琴即兴伴奏教学所涉及的其他学科知识与技能的教学与练习，这就致使钢琴即兴伴奏教学，缺乏相关学科的必要支撑。

（三）教学形式较为单一

部分高等院校的音乐教育专业教师在开展钢琴即兴伴奏教学的过程中，将钢琴演奏、歌曲创作等分割开，认为提高学生钢琴演奏技能是钢琴基础教学以及钢琴专业教学需要完成的任务，与钢琴即兴伴奏教学没有关系。这部分高等院校的音乐教育专业教师忽略了钢琴即兴伴奏教学是一门综合性的学科，而这样较为单一的教学形式对学生即兴伴奏能力的提高是非常不利的。

二、改善高等院校乐教育专业钢琴即兴伴奏教学的有效措施

（一）合理的设置钢琴即兴伴奏课程

在设置钢琴即兴伴奏课程的过程中，应该充分的了解其他音乐学科的主要特点。针对钢琴即兴伴奏课程的内容来说，钢琴即兴伴奏学习的基础是声乐课程与钢琴课程相关知识的学习。因此，在设置钢琴即兴伴奏课程时，应该设置在学生掌握了一定的声乐与钢琴基础知识与技巧的基础上。除此之外，通过钢琴曲式的学习，学生可以更好的把握钢琴乐曲的结构布局，从而更好的掌握钢琴乐曲曲式的规律。因此，钢琴即兴伴奏课程可以与音乐曲式课程同时开展。例如：钢琴即兴伴奏课程可以在大三阶段开始设置，大三阶段，学生已经掌握了一定的声乐和钢琴知识，在这基础上开展钢琴即兴伴奏教学是十分有利的。

（二）加强相关学科的支撑

在高等院校音乐教育专业钢琴即兴伴奏教学过程中，应该加强相关学科的支撑。这就需要广大高等院校音乐教育专业教师与学生高度的重视钢琴即兴伴奏教学，积极的'转变以往的教学与学习的态度。作为高等院校音乐教育专业钢琴即兴伴奏教师应该注重在钢琴即兴伴奏教学中相关其他学科音乐知识的讲解与分析。另外，高等院校可以通过讲座、交流学习、演讲等多种行之有效的途径开展钢琴即兴伴奏教学，并转变部分教师将声乐和钢琴学科的学习作为唯一提高钢琴演奏技能的途径。

（三）创新钢琴即兴伴奏教学的形式

针对以往的较为单一的钢琴即兴伴奏教学形式来说，有碍于学生钢琴即兴伴奏能力的提高。因此，高等院校音乐教育专业钢琴即兴伴奏教师必须创新钢琴即兴伴奏教学的形式。针对钢琴即兴伴奏教材而言，高等院校应该采用充分涵盖了钢琴即兴伴奏学科基本内容的规范性的教材[1]。其中应该包含钢琴即兴伴奏的音型、指法、高潮处理技巧等方面的内容。在钢琴即兴伴奏教学的模式方面，钢琴即兴伴奏教学内容应该包含钢琴即兴伴奏基础理论知识的讲授、钢琴即兴伴奏示范操作、检查学生作业三方面。促使学生在课堂教学中掌握一定的钢琴即兴伴奏技巧[2]。

三、结语

综上所述，现阶段，我国高等院校音乐教育专业钢琴即兴伴奏教学中还存在着一些问题，高等院校以及教师应该积极的采取相应的措施及时的进行改善，以此完善钢琴即兴伴奏教学。

[参考文献]

[1]魏韶亮.高校钢琴即兴伴奏教学问题剖析[J].佳木斯职业学院学报,2016,06:238-239.

[2]段建淑.高校钢琴即兴伴奏教学改革初探[J].大众文艺,2016,03:245.

[3]蒋帆.论钢琴即兴伴奏能力的培养和训练[D].华中师范大学,2014.

贝多芬钢琴作品论文范文

贝多芬，作为世界音乐史上最伟大的作曲家，被人们冠以“乐圣”的头衔，并不为过。人们敬仰贝多芬，这不单单是因为他短暂的生命为人类留下了极为丰厚的音乐财富，更多的是他那坚忍不拔，敢于同命运相抗衡的非凡品格所给予我们的十分珍贵的精神财富。贝多芬的命运极其坎坷，甚至可以说“一开始，人生对于他就只是一场悲惨而残暴的战争”。当他还是孩童时，就被父亲剥夺了原本可以尽享欢娱的童年时光，在严酷体罚的压迫下，苦学提琴。然而，痛苦似乎无时无刻不在叩门。在他30岁时耳聋又无情地对他施以酷刑，这对贝多芬内心深处无疑是一个惊天霹雳，造成了难以愈合的创伤，也带来了一个沉重的打击，绝望之际，他几乎好几次寻求自杀。于是，他从内心深处发出惨痛的哀号：“我躲避一切交际，我不能对别人说‘我是聋子’！倘若我干别的职业尚可，但在我的行当里，这是可怕的遭遇。”但与此同时，他又发出另一个坚定有力的声音：“我要扼住命运的喉咙，它决不能让我完全屈服！”这斩钉截铁的不屈誓言，怎能不令人惊服、振作、讴歌呢？究竟是什么力量拯救了这颗趋于毁灭的心？还是让贝多芬自己来回答吧：“在患难中支持我的是道德，使我不曾自杀的，除了艺术以外还是道德！”可见，贝多芬强忍着肉体和精神上的折磨摧残，完全是出于对自己神圣使命的执着追求。他把对音乐的追求，对人类的奉献视为比生命更可贵的灵魂。这是一种力量，一种抗拒生命的不竭动力，永不干涸的生命之泉！贝多芬的耳疾和他创作的大量音乐作品恐怕在许多人眼中仍是一个谜。最难以置信的是，一个聋子是如何创作出如此气势磅礴的《英雄交响乐》？又何以能谱写出豪放宏伟的《命运交响曲》？更是怎样去神话般地弹奏柔和明澈的《月光曲》的？翻阅他大量音乐作品，更令我惊奇的是，他的大部分音乐巨作都是在耳疾之后以靠咬着木杆来感觉音符所完成的。贝多芬从何而来如此非同凡响的灵感，如此丰富的情感和激昂的性格？这一连串的问题在我脑海久久翻腾，无不让人感奋不已，并使我油然想起奥里森·马登的一句名言：“纵观人类历史上的伟大、杰出人物，他们当中一大部分人曾经有过艰辛的童年，甚至备受命运的虐待，但强者总是善于找到生命的支点，及时调整心态，并承受艰难困苦，用恒久的努力去打破重重围困，铸就卓越与伟大。”1827年3月26日下午5时40分，在狂风暴雨中，贝多芬结束了他57年的人生旅程，孤独地死去了。死时拳头紧握，或许在最后的时刻，他仍然要扼住命运的喉咙。让贝多芬他那高贵的品格，善忍的德行，升华的灵魂，以及稀世的人生价值亘古永存！让贝多芬精神永远激励我们去勇攀知识高峰，共创辉煌人生！

世界音乐大师贝多芬--------------------------------------------------------------------------------“欢乐女神，圣洁美丽，灿烂光辉，照耀大地。我们怀着火一样的热情，来到你圣洁的殿堂里。你的威力，能把人类重新团结在一起，在你温柔的翅膀之下，世界所有的人都是兄弟！”这是德国大诗人席勒一首著名的诗，名叫《欢乐颂》。说它著名，并不仅仅因为席勒是它的作者，也不仅仅是因为这首诗写得很好，还有一个更为重要的原因，那就是，这首诗成为一首著名的交响乐《第九交响乐》的一部分，随着乐曲优美的旋律飞向了世界各地。这首交响乐的作者，就是著名的“乐圣”贝多芬。路德维希·范·贝多芬，1770年12月16日生于波恩，他的父亲是一个宫廷男高音歌手，母亲是女仆。家里条件很不好，而且父亲还爱酗酒，给家里带来了许多的不愉快。但是，他的父亲酷爱音乐，而且总想让贝多芬继承自己的事业。所以，从4岁起，贝多芬就在父亲的严格要求下弹起了钢琴。之后，钢琴、长笛、小提琴、中提琴、管风琴，贝多芬都能一一演奏。13岁时，贝多芬被任用为宫廷剧场的首席小提琴师和教师、助理管风琴师等。尽管如此，贝多芬的文化程度并不高，仅仅上完了初中就因各种原因辍学了。以后，贝多芬坚持自学，对欧洲的大作家作品认真学习。每当乐队演奏的音乐题材与文学作品有联系时，他就千方百计地去寻找这些文学作品。就这样贝多芬的文学素养越来越高，对文学作品、音乐作品的鉴赏能力也越来越强。在17岁时，不幸降临到贝多芬头上，他的母亲去世了，贝多芬忍受着巨大的痛苦埋葬了母亲，回到家里一看，父亲躺在床上，烂醉如泥。以后，父亲经常喝酒，把家里搞得不象样子。贝多芬不得不过早地挑上了家庭的重担，与生活中的各种艰辛、困苦作艰难的斗争。为了更多地掌握知识，开阔眼界，1789年，贝多芬来到波恩大学听哲学课，同时，认真地学习、研究古代神话和文学课程。在学习中，他接受了欧洲作家充满斗争精神的民主主义思想，并决心为了自由、人权而斗争。在这段时间里，他还到过维也纳，见到了奥地利著名的作曲家莫扎特。莫扎特很早就听说过贝多芬的事情，而且，有一种感觉，他觉得，贝多芬将来一定在音乐方面大有建树。贝多芬跟着莫扎特上了一段时间的音乐课，深深被莫扎特的治学、为人所感动，他决心不辜负教师对自己的期望，认真学习。1789年的法国资产阶级大革命对贝多芬影响很大。他对资产阶级革命才建立的共和制非常赞成，并把“自由、平等、博爱”看作是自己的人生信条和奋斗目标。他后来的乐曲作品中都充满了这种思想。1792年，贝多芬移居维也纳，自此，他永远地离开了故乡。这时，贝多芬一心倾慕的莫扎特已经去世，于是他便跟另一位作曲家海顿学习作曲。海顿是一位古板、传统、恪守旧规的教师，喜欢安分守己、唯命是听的学生，而贝多芬的思想则活泼、自由、不拘一格，所以，海顿很不喜欢贝多芬。贝多芬无奈，只好停止了跟海顿学习。离开了老师，贝多芬咬一咬牙，下定决心靠自己的努力，于是，他如饥似渴地阅读一本又一本的书，思考一个又一个问题，写出了一支又一支乐曲。关于他学习的故事，有许多传说。有一次，贝多芬去办点事情，回来的时候，他感到有些饿了，于是，便走进了一家饭馆，他找了一把椅子就坐了下来。这时，他正在思考创作一支钢琴曲，不知不觉中，他抬起手，用手指就在餐桌上敲了起来，就象以往弹钢琴一样。“咚咚咚，咚咚咚”，这有节奏的弹击吸引了不少人向他看来，他却毫无察觉。就餐的人走了一批又来一批，人们都在私下议论着这个奇怪的人。一个多小时过去了，他还在有节奏地敲着。这时，店老板过来想提醒提醒他，刚走到他面前，他一看店老板来了，立刻明白了这是在饭店里，于是便问老板：“请结帐吧，多少钱？”店里吃饭的人哈哈大笑了起来。店老板看他还不明白人们为什么大笑，就说：“先生，您还没吃饭呢！”“这……哈哈哈哈……”他自己也大笑起来。还有一次，他与几个朋友到郊外散步，看到美丽的田野，翠绿的青山，蜿蜒曲折的河流，他禁不住又想到该用什么样的旋律来表现了。散步中，朋友们说说笑笑，热热闹闹，唯有他一言不发。很长时间之后，他突然大声喊道：“找到了，找到了，我找到了！”说完，狂奔着就跑回家去了。惊得朋友们不知说什么才好。回到家里，他就把刚才所见的美丽的景色用乐曲的形式在钢琴上弹奏出来了。这首曲子就是后来人们熟知的洋溢着大自然诗情画意的《第四交响乐》。就这样，贝多芬靠自己的顽强努力终于被认为是维也纳最好的钢琴家和最优秀的作曲家。1800年，他在维也纳举办了第一届公开演奏会，向人们展示了他卓越的、超人的音乐才华。以后，每隔两、三年就要举行一次，他要把他所有的新作品随时介绍给喜欢他的听众。尽管贝多芬在乐曲创作上表现出了不凡的才能，但他本身却连遭不幸和打击。27岁时，他患了耳聋症，而且病情不断恶化。这对于酷爱音乐、视音乐如生命的贝多芬来说，无异于夺去自己的生命。他痛苦而无奈地喊道：“上帝啊，这是为什么？”到了中年，他的耳朵一点也听不见了。1824年5月7日，创作出了一生最后一支交响曲——《第九交响曲》，在开演奏会时，他坐在一旁为乐队打着拍子。可是，演奏结束了，他仍然在打拍子。人们告诉他已经演奏完毕，当他扭转身时，看到观众在发疯似地鼓掌，他一高兴，便晕倒在舞台上。贝多芬不知道，就是这首曲子，在演奏过程中，倾倒了无数听众，人们一阵又一阵地欢呼鼓掌，连续鼓掌五次。当时规定，只有在皇帝来到会场时，才允许鼓掌三次，所以在场外的警察还以为出了什么乱子呢，连忙跑进会场维持秩序。贝多芬的音乐作品带给了世界人民无限的欢乐，而他自己的生活在许多方面却不尽如人意。他对爱情抱着一种极为圣洁的观念，认为寻欢作乐是爱情之外的东西，所以不少姑娘不能接受他的思想，一个又一个姑娘离他而去。但他仍然不改变这种认识，1801年，他非常喜欢的姑娘又一次离开了他，他带着恋人离去的内心痛苦和对爱情的虔诚，写出了表现青春爱情幸福欢乐的《月光奏鸣曲》，作品表现了他纯洁无邪的爱情理想。有位哲人这样说过，如果能够正确地对待失败和挫折，那么，他给人的将是更加顽强的意志和更加坚韧不拔的精神！或许正因如此，贝多芬在这段时间里表现出了非常旺盛的创作劲头，在1801到1812这10余年间，他作出了许许多多成功的作品，除《月光奏鸣曲》之外，还有《第二交响乐》、《克莱策奏呜曲》、《第三交响乐》（又叫《英雄交响乐》）、《曙光奏鸣曲》、《热情奏鸣曲》以及后来的《第四、第五、第六、第七、第八交响乐》。其中，《第五交响乐》创作于1808年，被认为是贝多芬最受欢迎的交响乐，也是他的作品中最完美的典范作品之一。其主要内容是告诉人们要不屈服于命运的安排，要积极勇敢地与命运作斗争。这篇作品完成后，确实鼓舞了不少人，取得了很大的成功。由于贝多芬这些经典性作品的问世，他成了交响乐之王，人们以无比敬佩、赞慕、崇仰之情来欣赏着他的作品，同时，他也成为继海顿、莫扎特之后，维也纳古典乐派的大师。早在青年时期，贝多芬就树立了民主、斗争、进步的思想，这种思想他一直没有改变过。完成于1804年的《第三交响乐》，原来就是以在欧洲扫除封建势力，赢得人民极力赞扬的资产阶级领袖拿破仑的事迹为题材的，所以，贝多芬在作品菲页上写上了“献给拿破仑·波拿巴”几个大字。但是在作品完成的这一年，拿破仑抛弃了共和制，当了皇帝，贝多芬非常气愤。一气之下，就把这几个字改为：“英雄交响乐——纪念一位伟人！”无异，贝多芬把这位“伟人”看作是轰轰烈烈反抗封建势力的人民群众。贝多芬对封建贵族也一贯持以毫不妥协的态度。1812年，贝多芬与歌德在波希米亚一齐散步，波希米亚是著名的避暑胜地，当时奥地利太子也在这里。恰巧太子从贝多芬和歌德对面走来，歌德看到是威仪赫赫的皇太子，就赶忙整理一下衣襟，拍一下身上的尘土，然后恭恭敬敬地向太子鞠躬。而贝多芬则只装是没看见，大摇大摆地走了过去。事后，贝多芬责备歌德，长叹一声道：“我认为你没有必要如此！”贝多芬名声大振之后，不少贵族都希望与贝多芬结交，但贝多芬却不屑一顾，他瞧不起这些势力眼们。有一次，一个年青美貌的贵妇人，想让贝多芬剪一缕头发作纪念，好在别人面前炫耀。贝多芬看到这种人，气就不打一处来，但他转念一想，就满口答应了。不久，贝多芬发现这位妇人在滔滔不绝地叙说他与贝多芬的亲密关系，贝多芬当众说道：“那只不过是一撮山羊胡子！”全场人哈哈大笑，贵妇人羞愧得无地自容。在演奏乐曲的时候，贝多芬更是不允许被打扰，尤其是一些附庸风雅的贵族，他们本来根本不懂什么音乐，却硬要参与各种音乐场合。还是在演奏《月光奏鸣曲》时，人们都在静静地欣赏这如诗如画的音乐，沉醉在梦幻般优雅舒畅的意境之中。突然有一个贵族不顾别人大声喧哗，贝多芬立刻停止了演奏，并厉声责骂道：“我决不给这样的蠢猪演奏！”一个亲王看到这贵族非常难堪，出来劝解，贝多芬毫不相让，对亲王说：“亲王阁下，您之所以会成为贵族，完全是凭借您高贵的血统，而我，靠的是我自己的努力。现在，世上有成千上万贵族，将来还会有贵族成千上万。而贝多芬，无论现在和将来，都只有我一个！”说完，气愤地离开了会场。由于贝多芬桀傲不驯，行为自由，对贵族嗤之以鼻，使上层阶级故意冷落他。所以贝多芬虽有很高的名声，却一贫如洗，他经常不外出，原因是靴子早已开了洞而无钱更换。所做的曲子每首要花费几个月时间，却卖不到好价钱。而且一个花花公子式的侄子，还常来扰乱他，给他制造麻烦。晚年的贝多芬因耳聋不能与别人对话，只有靠一支笔一个本子与别人交换意见。在他未来计划中，还有不少乐曲等他去完成，但是，1827年3月26日，一个风雪交加的夜晚，贝多芬却带着未完成作品的遗憾，带着对封建统治者的憎恶，带着对人世间美好幸福生活的憧憬，离开了人世。------------------

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钢琴曲式分析毕业论文

当然这也不能片面的理解为只能在和声变换的地方更换踏板，如吴祖强的《水草舞》的引子部分8个小节，但只换了1次和声，如果只换一次踏板的话，就会声音获得过多的泛音而变得浑浊，这是极其错误的。 2．节奏的需要节奏影响着乐曲所要表达的情绪，而为传递乐曲的情绪所服务的踏板在使用时必须基于节奏的需要来考虑。往往是为加强节奏的效果而使用节奏性的直踏板法。 3．作品风格作品的风格可以说最应当要注意的一点，在你选择踏板的使用的时候如果你不考虑作品的风格那将是致命的错误。因为每一首钢琴音乐作品均有其特定的风格，而同时期的作品也有其叫明显的共性风格特征。在演奏巴赫的作品的时候对于巴赫的音乐作品，许多演奏家持有这样一种观点：巴赫的那些作品诞生的年代还没有右踏板的出现。在演奏中如果使用踏板，将影响作品的原始风貌。但不知是否有人考虑过在巴赫创作这些乐曲的年代同样没有现代钢琴的出现，那些作品是为羽管键琴和古钢琴所创作的。可见，我们在现代钢琴上演奏巴赫的作品就已经破坏了巴赫作品的原始风貌。在巴赫作品中如何使用踏板的问题上菲鲁奇奥·布索尼的这段话可以给我们一些启示“踏板在巴赫的钢琴作品中是需要的，在钢琴作品中使用踏板而有听不出来，才是唯一正确的方法。有关这一点，我们指的是用踏板来连接两个依次进行的单音或和弦，为强调一个悬留音，为延续一个单声部，等等；一种处理方式其中并不显出具体的踏板效果……在任何地方只要可能，尽量用手而不是用踏板来延续一些音。”由于巴洛克时期和19世纪的声音概念不同，19世纪喜欢主要为密集的洪亮度、音型的融合和延续长的低音持续音而使用踏板，但巴洛克时期是具有对位的声部清晰，并且每个声部有对比性奏法的观念的时期，因此在弹巴赫的作品时不能将作品的踏板处理为19世纪时期的那种方式，应当要：（1）不要把踏板踩得太深，以免产生太强的泛音；（2）不要把踏板踩得太长，根据线条而不是根据和声使用踏板，多换踏板，保持声部清晰如在下面巴赫的《平均律钢琴曲第一集》《降b小调前奏曲》的这段乐曲中就是用右踏板帮助在重复音中做到连音连接。巴赫的作品在结尾处的尾奏部分往往使用的是一种完满终止，即Ｋ→Ⅳ→Ⅴ→Ⅰ这种极具有宗教色彩的结尾很大程度上是在模仿宏伟的“全奏的风琴”效果，如果不踩踏板就无法在现代钢琴上表现出这种效果。如下例是巴赫的《平均律钢琴曲第一集》《升C大调赋格》的结尾部分。在演奏古典乐派海顿、莫扎特的作品的时候，由于在他们的音乐中，织体的清晰度、句法和奏法决不能搞得含糊不清。如同在钢琴上弹奏巴赫一样，在莫扎特或海顿中使用踏板必须觉察不出来。在使用时要注意（1）在设计踏板使用时，应该首先不用踏板学习音乐，所有的奏法单独用手指完成，以后可以为了音色而少量的增加一些踏板，或为使一个难于应付的连奏变得更为容易而短时间的使用；（2）在快板乐章中，尤其在快速音群时，不使用延音踏板，而使用颤音踏板；（3）在中速或慢速的乐曲中，为增加共鸣，加强乐曲的连贯与和声的丰满可使用延音踏板。由于贝多芬是要求踏板的使用达到可以感觉的程度的第一位著名的作曲家，在演奏贝多芬的作品时，有贝多芬亲自标明使用踏板的地方，必须要按照标记去做。在下面一些地方可以使用踏板：（1）为保持逐渐的均匀的渐强和渐弱，可以使用踏板；（2）为有助于演奏legato，增强乐句的连贯，可以使用踏板；（3）为使音响更丰富饱满；（4）为获得色彩性效果；（5）为加强力度对比；（6）为连接个乐章而使用踏板。同时我们应当认识到，虽然贝多芬的作品中大量的出现了使用踏板的标记，但是他所做的标记是为他所知道的钢琴写作，而不是为了今天的乐器，特别是更少的传送力量，以及音域之间更大的区别的问题，会不时的影响踏板的使用，这时对贝多芬的踏板使用方法做适当的修改以适应现代乐器，但要注意的是有关气氛朦胧的原来概念应该保持下来。`另外一方面有迹象表明贝多芬使用踏板比他所标记的要多，但这不应作为可以毫无选择的使用踏板，或不去了解贝多芬最希望踏板为他的音乐做些什么的一种许可。 4 钢琴踏板的运用--我的毕业论文到了浪漫派的肖邦，舒曼，李斯特的钢琴作品中，踏板的运用得到了极大的发展，他们极大的发掘了钢琴音色变化的可能性。作为音色变化的重要手段之一的踏板的使用也更复杂更精细。尤其是李斯特，在他的许多钢琴作品中见到的暗指的踏板效果以及明确的踏板标记，这表明他具备了一种远远走在他时代前面的对踏板用法的理解。至少在他的晚年，他用了切分或连音踏板，一种当时认为先进的技术，在现今已被普遍使用和讲授。李斯特的写作一般要求踏板的丰满、充足的使用，特别当需要它作为长持续音的一个支持时。在他为声乐和其他乐器的作品的钢琴改编曲中，踏板被大量的或几乎经常的使用。在所有长的旋律音上使用踏板，特别是那些在高音区的，即使它们没有被下面的和声材料所支持。李斯特和贝多芬以及舒曼这样的作曲家一样，在踏板标记上经常指示一个特殊效果，而不是普通任凭演奏者自行处理可以做到的一个习惯用法。任何数目的这种特殊效果都可以被找到，它们有许多反应了明确的诗意的、形象化或甚至哲学的思想。在印象主义的德彪西、拉威尔的钢琴作品中，虽然在他们作品的乐谱中几乎完全没有踏板指示，所存在的为数极少的几个也往往是粗略和模糊的，但是在他们的作品中不能想象倘若不使用踏板，印象主义的神奇和美丽将如何去表现。印象主义音乐的流畅、充满水分，润泽的声音，以及连贯的、斑斓的、变化的色彩只有在准确的使用踏板的基础上才能得以实现。因此，需要我们谨慎而敏感的使用踏板。综上所述，我们应该知道，对于踏板使用的说明，一千句话都比不上一次演奏。踏板是任何钢琴演奏中极具个性的部分，没有两个演奏者会用完全相同的方法去使用踏板，而同一个演奏家也不会在每次演奏中用同样的踏板法，然而每人在演奏当时都能同样具有说服力。这种灵活性可由多种因素来解释。诸如速度、力度、声音、奏法、声部的平衡、作品的风格和时代、音乐厅、乐器等这样一些多种多样的可变因素，甚至还有演奏者当时的情绪，也时常会影响踏板使用方法的选择。写下来的踏板使用方法指示，不管它们是如何仔细地被标记的，甚至是作曲家提供的，也往往需要演奏者的修改。因此“只有耳朵本身，才永远是艺术性演奏的最终指导，而不是一套印出来的指示。” 每个曲子有不同的要求，这就必须学会用自己的耳朵去听！因为由于踏板是一种性质的技巧，想完全学到运用的每一个细节，和老师们用得一样，是不可能的，唯一永远的老师只能是自己的耳朵，经过老师的指导和训练，要使自己的耳朵能够敏锐地察觉到踩在踏板上的脚或大或小的动作所引起的声音的任何反应。想象出将要弹奏的音响效果，并指示脚的动作，以实现希望的音响。

贝多芬月光奏鸣曲，听过吗？给你些素材，自己写写吧，我很喜欢这首乐曲，弹奏过第一乐章。钢琴奏鸣曲，作品第27号之2“月光” 创作背景贝多芬的这个曲子作于一八一O一年，当时他正和朱丽法塔贵恰尔第（1784—1856）相爱，这个曲子是献给她的。这一年的十一月十六日贝多芬写给和勒的信中提到她时还说：“她爱我，我也爱她。”但到一八O二年初，她已别外爱上了罗伯尔哈伦堡伯爵，并于一八O三年和他结了婚。罗曼罗兰把此曲和贝多芬的失恋联系起来，说“幻想维持得不久，奏鸣曲里的痛苦和悲愤已经多于爱情了。”以罗兰把第一乐章解释为忧郁、哀诉和痛哭。俄国音乐学家奥立比舍夫（1794—1858）第一乐章是失恋的“沉痛的悲哀”，好比“垂之火”。但一八O一年正是贝多芬和贵恰尔第热恋的时候，说这个作品是写失恋的痛苦，也和事实不符。对于这个作品的解释，也许俄国艺术批评家斯塔索夫（1824—1906）的见解，是比较合理的。他在回忆了一作为上二年听李斯特在彼得堡的演奏后，认为这首奏鸣曲是一出完整的悲剧，第一乐章是暝想的的柔情和有时充满阴暗预感的精神状态。他在一作作九年听安东鲁宾什坦的演奏时也有类似的印象：“……从远处、远处，好象从望不见的灵魂深处忽然升起静穆的声音。有一些声音是忧郁的，充满了无限的愁思，另一些是沉思的，纷至沓来的回忆，阴暗的预兆……” 该曲之所以被称为“月光”由于德国诗人路德维希，把该曲比做瑞士琉森湖上的月光。《#c小调奏曲》因“月光”的标题和传说而特别出名。贝多芬有一次说过：“人们常常谈论《#c小调奏鸣曲》，但我曾写过经这更好的东西，《#F大调奏呜曲》（作品78）就是一个与此相同的作品。”可见贝多芬自己对《月光曲》是并不十分满意的。《月光曲》的传说一百多年前，德国有个音乐家叫贝多芬，他谱写了许多著名的曲子。其中有一首著名的钢琴曲叫《月光曲》，传说是这样谱成的：有一年秋天，贝多芬去各地旅行演出，来到莱茵河边的一个小镇上。一天夜晚，他在幽静的小路上散步，听到断断续续的钢琴声从一所茅屋里传出来，弹的正是他的曲子。贝多芬走近茅屋，琴忽然停了，屋子里有人在谈话。一个姑娘说：“这首曲子多难弹啊！我只听别人弹过几遍，总是记不住该怎样弹；要是能听一听贝多芬自己是弹的，那有多好啊！”一个男的说：“是啊，可是音乐会的入场券太贵了，咱们又太穷。”姑娘说：“哥哥，你别难过，我不过随便说说罢了。” 贝多芬听到这里，就推开门，轻轻地走了进去。茅屋里点着一支蜡烛。在微弱的烛光下，男的正在做皮鞋。窗前有架旧钢琴，前面坐着个十六、七岁的姑娘，脸很清秀，可是眼睛瞎了。皮鞋匠看见进来个陌生人，站起来问：“先生，您找谁？走错门了吧？”贝多芬说：“不，我是来弹一首曲子给这位姑娘听的。” 姑娘连忙站起来让座。贝多芬坐在钢琴前面弱起盲姑娘刚刚才弹的那首曲子来。盲姑娘听得入了神，一曲完了，她激动地说：“弹得多纯熟啊！感情多深哪！您，您就是贝多芬先生吧？” 贝多芬没有回答，他问盲姑娘：“您爱听吗？我再给您弹一首吧。” 一阵风把蜡烛吹灭了。月光照进窗子来，茅屋里的一切好象披上了银纱，显得格外清幽。贝多芬望了望站在他身旁的穷兄妹俩，借着清幽的月光，按起琴键来。皮鞋匠静静地听着。他好象面对着大海，月亮正从水天相接的地方升起来。微波粼粼的海面上，时间洒遍了银光。月亮越升越，穿过一缕一缕轻纱似的微云。忽然，海面上刮起了风，卷起了巨浪。被月光照得雪亮的浪花，一个连一个朝着岸边涌过来……皮鞋匠看看他妹妹，月光正照在她那静的脸上，照着她睁得大大的眼睛，她仿佛也看到了，看到了她从来没有看到的景象，在月光照耀下的波涛汹涌的大海。兄妹俩被美妙的琴陶醉了。等他们办醒过来，贝多芬早已离开了茅屋。他飞奔回客店，花了一夜工夫，把刚才弹的 ——《月光曲》记灵了下来。这是我国《全日制十年制学校小学语文课本》第七册里的一篇课文，讲的是贝多芬为盲姑娘演奏《月光曲》的故事，这的确是一个美丽的传说。传说中贝多芬的这个曲子（作品27之2——《#c小调钢琴奏鸣曲》）描写的是海上月光的说法，源出于德国音乐批评家雷尔施塔布（1799——1860）。他用瑞士风光明媚的琉森湖上的月光的别名。俄国钢琴家安东鲁宾什坦（1829——1894）非常反对用“月光”来解释这个曲子，他说：“月光在音乐描写里应该是暝想、沉思的、安静的，总之，是柔和光明的情绪。《#c小调奏鸣曲》第一乐章从第一个音符到最后一个音符，完全是悲剧性的（用小调来暗示），因此是布满云彩的天空，是阴郁的情绪。末乐章是狂暴的、热情的，表现的正是和温柔的明月完全相反的东西。只有短短的第二乐章可以说是一瞬间的月光。”在德国，也有人称此曲为“园亭”奏鸣曲。园亭是建筑在树荫下的凉亭，这相标题对于这首奏鸣曲也同样是不恰切的。看来，第一乐章所表现的决不是一幅明净的风景画，而是一种内在的阴郁情绪。《贝多芬传》的作者厄（1817—1897）说第一乐章是“少女为生病的父亲祈祷”，无论如何要比“月光”和“园亭”恰当一些。作品分析第一乐章－持续的慢板，升c小调2/2拍子，三部曲式这个乐章情感的表现极其丰富，有冥想的柔情，悲伤的吟诵，也有阴暗的预感。虽然伴奏，主题和力度的变化不大，但仍通过和声，音区和节奏的变化，细腻地表现了作者心弦的波动。这首奏鸣曲包含着贝多芬最原始的构思。它那梦一般即兴的性质，探索钢琴音响共鸣的方式已预察到约一百年后德彪西的印象乐派。它所依据的题材很简单：乐曲一开始，由不断流出的三连音构造了无边的幻想，四小节后，第一主题在中音区淡淡地出现。它细致而沉静，略带些忧郁。1段1分18秒在B大调上出现了第二主题。中间部由第一主题开始。三连音曲折有致地走向高音区，呈现出急躁不安的情绪。随后，进入第三段，第一主题平静地再现，第二主题以升c小调的面目再现，然后以低音继续奏出基础动机的尾奏，慢慢地消失而结束。第二乐章－小快板，降D大调，3/4拍子，三部曲式这个乐章比较短小，李斯特形容这个乐章为"两个深渊中之间的一朵花"。它以迥然不同的轻快表情将第一乐章的沉思默想和第三乐章的紧张气氛衔接地非常完美。第一段是连奏与断奏相呼应的主题，然后再以变奏加以重复。中部也保持在降D大调。2段1分13秒再现第一段。这个乐章好象是瞬息间留下的温存的微笑。第三乐章－激动的急板，升c小调，4/4拍子，奏鸣曲虽然在调性上与前乐章有紧密的联系，但表达的感情则完全不同。第一主题是热情不可遏制的沸腾和煽动性，犹如激烈的狂怒，又好象是连连的跳脚声。第二主题像是从心底里发出来的申诉。它临近结束时连续的八分音符，斩钉截铁般的节奏，表现了热情的情感和坚强的意志。经过短短的展开部后，内心的激动表现得更为强烈。在尾声中，沸腾的热情达到顶点时，突然沉寂下来，但汹涌澎湃的心情并没有就此平静。贝多芬曾说过他的作品二十七号的两首奏鸣曲都像幻想曲。他指示《月光》奏鸣曲的乐章之间要紧接不要有停顿，这样才能从开始乐章以暗示性的方式逐渐展开，进入到错综复杂的终乐章，而得以提供一种凝聚高潮的感觉。贝多芬这一时期的奏鸣曲充满了尝试性的作法，他企图重新评价奏鸣曲式主要的创作原理。一般来说，如要遵循传统的格局，奏鸣曲式往往只出现在一个乐章里，而通常在第一乐章，但贝多芬打破了这种模式，《月光》奏鸣曲是古典乐派开始朝浪漫乐派转变的作品之一。